Since Cinematographe Lumière

Tootsie (1982)

2009-12-07T18:34:00.000-08:00

[Postado por Gian]

Em "Quanto Mais Quente Melhor", a comédia de Billy Wilder considerada a melhor de todos os tempos, dois músicos desesperados (Jack Lemmon e Tony Curtis) se transvestem de mulher e se infiltram em uma banda feminina para fugir de mafiosos. A obra de Wilder merece a primeira posição de melhor comédia que recebeu pela AFI, o filme possui um timing perfeito, com atuações hilárias dos protagonistas e um ótimo enredo. Quase vinte e três anos depois outra comédia com uma vertente bastante semelhante ganharia o segundo lugar na lista, um filme que colocou o diretor Sidney Pollack no hall dos cineastas titulares da época e deu a Dustin Hoffman um dos melhores papéis de sua carreira.

"Tootsie" conta a história de Michael Dorsey (Hoffman), um ator desesperado que não consegue emprego devido ao seu perfeccionismo e excesso de questionamento quanto aos papéis que para ele são dados. Ele mora com seu simpático amigo e escritor de peças teatrais Jeff Slater (Bill Murray) e tem uma amiga, Sandy Lester (Teri Garr), também atriz que sofre por causa de sua insegurança em demasia e confusão de sentimentos. Jeff possui uma promissora peça de teatro no papel, mas não pode ser realizada porque não possui grana para tal empreendimento. Quando o agente de Michael, George Fields (interpretado pelo próprio Pollack) se recusa a ajudá-lo em busca de novos papéis, o ator tem uma idéia luminosa: se transvestir de mulher para estrelar num programa de TV, uma espécie de telenovela médica. Michael agora é Dorothy Michaels, uma mulher de meia-idade que se veste de um modo puritano, mas com idéias revolucionárias para o programa.

Antes da chegada de Dorothy, a telenovela tinha aspectos machistas, mostrando médicos assediando enfermeiras que aceitavam tudo passivamente, principalmente a enfermeira interpretada por Julie Nichols (Jessica Lange). A situação de Julie na vida real não é muito diferente: o diretor da telenovela, Ron Carlisle (Dabney Coleman), é um mulherengo que está envolvido com a atriz, mas não quer nada sério, já Julie, que é mãe solteira, está confusa em relação a Ron, mesmo sabendo seu jeito de ser, ela projeta no diretor a chance de uma vida mais segura e menos solitária. Como era de se esperar, o envolvimento de Srta. Michaels na telenovela e na vida de Julie vai criar uma onda de confusões tremendas, todas repletas de situações inspiradoras e engraçadíssimas.

Enquanto "Quanto Mais Quente Melhor" foi filmado em preto-e-branco (para frustração de Marilyn Monroe) para garantir maior convencimento sobre o aspecto feminino de Lemmon e Curtis – e cenas em cores dos bastidores comprovam que os atores se pareceriam muito mais com palhaços do que com mulheres se o filme não tivesse sido filmado em P&B - Dustin Hoffman convence o espectador com sua Dorothy a cores. Hoffman cria uma perfeita dualidade em sua personagem, misturando aspectos conservadores (como suas roupas, cabelo e trejeitos) com feministas numa atuação engraçadíssima, e é esse feminismo que garantirá sucesso a grande farsa. Em uma época onde o feminismo era repensado dentro do âmbito dos papéis sociais do gênero, Dorothy vira uma representante da mulher americana, suas atitudes determinadas contra o abuso masculino (todas improvisadas, deixando o diretor e os produtores à beira da loucura) servem como inspiração para as mulheres no país afora. Essa transformação para um ícone nacional é feita de uma forma bastante divertida, mostrando Dorothy sendo fotografada para várias capas de revistas encarnando vários papéis, desde uma vaqueira, passando pela pop-art (com direito a posar ao lado de uma sósia de Andy Warhol) até a sua imagem mais conhecida, com um vestido brilhante e vermelho e a bandeira dos EUA ao fundo.

Diferente do sucesso na telenovela, a vida pessoal de Michael fica cada vez mais enrolada. Isso porque ele se apaixona por Julie, que vê em Dorothy uma grande amiga e confidente, e ainda vai ter que lidar com a paixão do pai da atriz por Dorothy, Leslie Nichols (Charles Durning), um homem viúvo e simpático que nem em sonho desconfia da verdadeira identidade de sua amada. Essas situações onde há paixões inusitadas são terrenos-seguro para esse tipo de comédia, se claro, houver um bom entrosamento entre os personagens junto com situações pelo menos aparentemente críveis (como também já vistas na obra de Wilder).

É perceptível a diversão de Hoffman ao interpretar esse papel, tanto que o nome "Tootsie" foi idéia do próprio ator, que era chamado desse jeito por sua mãe quando criança. Enquanto Jack Lemmon se divertia olhando no espelho e se maquiando, Hoffman foi à escola de seu filho vestido de Dorothy para testar a eficácia do disfarce. Jessica Lange levou o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante, e ela está realmente ótima, mostrando toda a insegurança e doçura de Julie. Porém Teri Garr não fica atrás, ela, que também concorreu junto com Lange, faz uma atriz frustrada brilhantemente exagerada, sem ser caricata, gerando assim grande simpatia com o público. A obra ainda conta com as boas participações de Bill Murray e seu sarcasmo natural (ele improvisou todas as suas falas) e Geena Davis.

Com uma direção correta de Sidney Pollack, "Tootsie" se apóia principalmente nas atuações impecáveis e nas situações inteligentes - tão copiadas hoje em dia, que alguns podem vê-lo como um filme cheio de clichês, porém é uma grande comédia, que mescla humor descompromissado com questões mais sérias - como o próprio machismo existente nos programas de TV. Pena que hoje em dia os filmes que exploram homens transvestidos, como "As Branquelas", não sigam o alto padrão da produção de Wilder e de Pollack, ou pelo menos algum padrão aceitável.

Os Sonhadores (The Dreamers) – 2003

2009-11-19T11:33:00.001-08:00

1968 - eclodia na França uma rebelião estudantil contra as condições de ensino e por maior participação na vida política. A Universidade de Sobornne era o foco da revolta. Reprimida com violência pela polícia, a manifestação culminou, em 13 de maio, na marcha de 800 mil pessoas em apoio aos estudantes.

É simplesmente fascinante imaginar as centenas de histórias que estavam ocorrendo naquele momento na França. Um momento em que a cultura Pop emergia das mãos de Andy Warhol, a guerra fria assolava o mundo e os “Filhos da Cinemateca Francesa” lançavam a Nouvelle Vague. Em Os Sonhadores, o diretor Bernardo Bertolucci não só retrata esse período histórico para o mundo, como o homenageia, mostrando a história de dois jovens que moravam no epicentro deste vulcão.

Matthew (Michael Pitt) é um jovem americano que vai para França em 68 para estudar o idioma. Cinéfilo, Matthew vai à Cinemateca regularmente, onde assisti a dezenas de filmes. Ok, Devo dar uma parada neste momento para lhes apresentar Henri Langlois. Fundador da cinemateca francesa, era colecionador de filmes e tinha como principal objetivo exibi-los. Muitos diretores dos anos 50 e 60 devem boa parte da sua formação aos filmes que a Cinemateca promoveu. Foi de lá que saíram os “Filhos da Cinemateca” fundadores da Nouvelle Vague (Nova Vaga). Em 68, no entanto, o então ministro da cultura francesa resolveu despedir Langlois da liderança dos destinos da Cinemateca, alegando deficiência de gestão. Em 14 de Fevereiro, a polícia tentou reprimir milhares de pessoas que tentavam chegar ao Palácio Chaillot, sede da cinemateca, onde Langlois contestava as ordens do ministro. Essa é a situação inicial do filme. É nessa, literalmente, Revolução do Cinema que Matthew conhece os irmãos gêmeos Isabelle (Eva Green) e Theo (Louis Garrel).

O jovem fica fascinado com os dois. A química entre os três rola na primeira instancia. A paixão pelo cinema move praticamente todas as suas conversas. Os pais dos gêmeos, estão para fazer uma viagem, e eles convidam Matthew a passar uns dias em sua enorme e antiga casa. Matthew se surpreende ao perceber que a relação dos dois irmão é mais íntima do que imaginava. Os dois dormem todos os dias na mesma cama, nus e abraçados. Jogos de interpretação de cenas tomam conta da primeira parte do filme. Quem não acertava o nome da película em questão, pagava uma “multa”. Em uma delas, Theo se masturba na frente dos dois, e mais pra frente, Matthew tira a virgindade de Isa.

A segunda parte do filme, onde Matthew e Isa estão se relacionando regularmente, Bertolucci explora a relação entre os gêmeos, que se dizem siameses. Chega a ser bizarro, mas curioso o modo como os dois estão unidos e o inicio de um ciúme de Theo por Matthew, que a gente espera terem alguma coisa o filme todo. O ponto forte são de fato, as referencias à outros filmes. No entanto, vemos algo de bastante interessante, o filme foi dirigido bem ao estilo da Nouvelle Vague e as referencias à pop art e a todo o contexto da época nos fazem criar admiração pela película.

É deprimente saber que nos anos 60 existiam jovens motivados a encarar o cinema como uma forma de arte tão profunda quanto a poesia. Discussões sobre filme hoje se resumem a bilheterias e a efeitos visuais. As pequenas partes dos filmes, uma cena, um segundo de uma cena, um olhar, não é mais encarado como uma letra de música pelos cinéfilos de hoje. Ser cinéfilo é amar a um filme tanto quanto um groupie ama uma partezinha de uma música de sua banda. É apreciar o trabalho estético, a edição, tudo. Tudo que motivou àquele roteirista, aquele diretor, aquela pessoa por trás das câmeras a retratar a história.

O Que Terá Acontecido a Baby Jane? (What Ever Happened to Baby Jane?) - 1962

2009-11-10T16:14:00.000-08:00

[Postado por Gian]

Hollywood, em sua Era Dourada, possuía um lado no mínimo interessante: a mesma Hollywood que jogava grandes artistas para escanteio em prol de novos talentos e de novas exigências, resgatava alguns e criava verdadeiras obras-primas. Provavelmente o exemplo mor do que acabei de afirmar se encontra no maior filme de Billy Wilder, "Crepúsculo dos Deuses", onde temos uma grande atriz do cinema mudo, Gloria Swanson, que interpreta uma personagem também atriz, da fase muda e que é, como sua intérprete, jogada para escanteio, a inesquecível aloprada Norma Desmond. O mesmo acontece com a obra aqui em questão, "O Que Terá Acontecido a Baby Jane?", que traz duas grandes atrizes, Bette Davis e Joan Crawford que, na época que o filme foi realizado, já não possuíam a glória de outrora.

O filme conta a história de duas irmãs, Baby Jane (Davis) e Blanche Hudson (Crawford) que vivem em uma mansão em Hollywood. Baby Jane foi uma grande estrela mirim e mais tarde tentou carreira no cinema, mas ao contrário do seu sucesso quando criança como cantora e dançarina, não conseguiu emplacar como atriz. Já sua irmã, que não conhecia os louros do sucesso na infância, se tornou uma grande atriz, para a frustração de Jane. Após um trágico acidente, Blanche encerra sua carreira presa numa carreira de rodas aos 'cuidados' da irmã, que envelheceu completamente infeliz, amargurada e psicótica.

A obra de Robert Aldrich é um suspense psicológico de primeira categoria, com tantas características positivas que as pequenas falhas quase não valem a pena ser citadas. Após mostrar, ainda antes dos créditos iniciais, a ascensão de Baby Jane como performista mirim, seu fracasso como atriz contrapondo o sucesso da irmã, e o trágico e misterioso acidente envolvendo as irmãs, somos jogados para dentro da mansão em Hollywood, já no começo dos anos 60 - a época em questão será um fator importante a ser avaliado mais tarde -, onde presenciaremos o desenrolar de uma relação de ódio e rancor.

O primeiro contato que temos com Baby Jane depois dos passar dos anos é chocante, bem diferente da delicada, porém mimada, menina que nos é apresentada no começo da projeção, Baby Jane agora é uma caricatura de si mesma, mantendo as vestes que usava no passado, com direito a babadinhos e laços nos cabelos loiros e secos desgrenhados, o rosto lotado de maquilagem (a brancura excessiva em contraste com o forte lápis preto nos olhos e o batom, juntamente com as marcas do tempo, criam uma imagem quase que icônica), as roupas, quase sempre completamente brancas, conferem a personagem um aspecto fantasmagórico (é fácil lembrar-se de Blanche DuBois, a desequilibrada professora de inglês interpretada divinamente por Vivien Leigh no clássico “Uma Rua Chamada Pecado“), e com trejeitos completamente debochados (essa característica já vinda da própria Bette Davis). É de imediato a compreensão do espectador de estar diante de uma figura ameaçadora, mas ao mesmo tempo digna de pena. Já Blanche, que passa a maior parte do tempo em seu quarto vendo seus filmes constantemente reprisados por um canal de TV, é a imagem da razão e sanidade, ainda que o tempo e os acontecimentos pelo qual passou o tenham deixada com um aspecto visivelmente cansado.

Ambas vivem do passado. Blanche é refém da própria da irmã, todas as suas necessidades básicas precisam ser supridas por Baby Jane, que vê na irmã inválida a oportunidade de se vingar pelo seu fracasso como atriz. Assim sendo, Jane inferniza Blanche das formas mais mesquinhas possíveis, como colocando um rato e um pássaro mortos sob a tampa da bandeja de comida, ou jogando fora todas as cartas dos fãs que chegam para Blanche, seu único vínculo com o passado dourado. Blanche se lembra de seu estrelato através dos filmes, já Jane está completamente ligada a um passado ainda mais remoto, de quando era a estrela do vaudeville, na mansão estão espalhadas quadros e bonecas dessa época, além da patética caracterização já comentada.

Alguns paralelos podem ser feitos entre a obra de Aldrich e a obra-prima de Wilder. A mais evidente de todas é o esquecimento de um grande astro por uma sociedade que a todo o momento pede por mudanças, esse astro passa então a viver em um mundo à parte, quase sem nenhum contato com o exterior. Provavelmente Norma Desmond e Baby Jane Hudson, a primeira em um grau muito maior, desprezam aqueles que um dia as deram oportunidades, apesar da tentativa de ambas de voltar para o show business, Norma através de um fracassado roteirista, e Baby Jane através de um compositor de aspecto bisonho nada promissor. Diferente de Baby Jane, Desmond não vira uma figura cômica, ela mantém a elegância apesar das vestes já estarem um pouco ultrapassadas, entretanto ambas se auto-veneram, a personagem de Wilder espalha por sua mansão fotos da juventude no auge e assiste a seus filmes mudos em seu cinema particular; Jane também tem algumas fotos de sua beleza jovem exótica, mas como sua carreira de atriz não angariou muitos frutos, o que prevalece mesmo são os quadros e as fotos da pequena estrela que fora um dia. Há também, nos dois filmes, um assassinato à sangue frio, que parece ser uma atitude inevitável quando se trata de alguém psicótico que vê sua vida afundando cada vez mais.

Fazendo jus ao gênero em que se enquadra, o filme tem um desenvolvimento lento no primeiro ato, porém à medida que Baby Jane vai se tornando cada vez mais psicótica devido aos acontecimentos que se seguem, como a descoberta que sua irmã pretende vender a casa e depois interná-la, o ritmo se acelera e o espectador se sente cada vez mais envolvido. Sentimos aquele frio na barriga e a inquietação que surgem com cenas aterrorizantes, como as atitudes desesperadas de Blanche por alguma ajuda exterior - do médico da família, da empregada ou da vizinha - que são sempre frustradas pela infeliz aparição da irmã, com cortes de câmeras assustadores voltados para o rosto macabro de Bette Davis. Algumas ‘falhas’ podem ser identificadas quanto à aparente aquiescência de Blanche de se manter como vítima, pelo fato de seu quarto estar bem perto do jardim da vizinha. Sendo assim, quando a situação começa a passar dos limites, Blanche poderia muito bem berrar por socorro, mas se formos pensar por outro lado, além da óbvia fuga da realidade que o filme faz uso para poder se manter, podemos enxergar na personagem de Crawford um sentimento de pena e de carinho em relação à irmã (sentimento esse satisfatoriamente justificado na revelação bombástica ao final da película), ela então prefere deixar a situação como está e torcer pela recuperação da sanidade de Jane.

Bette Davis e Joan Crawford se odiavam na vida real, alguns apontam que Bette Davis era ressentida pelo modo que Joan tinha se tornado uma estrela, Davis teria dito que "Joan Crawford teria dormido com todos os astros da MGM, exceto a Lassie", mas qualquer que fosse as razões, esse rancor só serviu para realçar a carga real do filme. Entretanto é claro que mesmo se as duas fossem amigas do peito, as atuações não poderiam ter sido menos que extraordinárias, afinal, estamos falando de dois gigantes de Hollywood. Joan Crawford consegue transmitir espantosamente o desespero de Blanche ante as situações humilhantes, principalmente através de seu olhar, e Bette Davis vai do cômico ao trágico e da delicadeza a crueldade com uma fluidez e naturalismo impressionantes, as cenas em que canta a triste canção “I’ve Written a Letter to Daddy” despertam no espectador uma mistura de pena com repugnância, e tira-nos um riso culpado quando imita Blanche ao telefone esbugalhando os enormes olhos como uma louca varrida. O elenco coadjuvante também tem seu destaque, principalmente Victor Buono, que interpreta o compositor Edwin Flagg, sua relação com Jane não é completamente clara, às vezes temos a impressão que ele só está interessado mesmo no dinheiro, mas às vezes temos a sensação que há uma atração sexual bizarra e inesperada por parte do músico. O filme também mostra bem a relação nada harmoniosa de Edwin com sua mãe, apesar de pouco tempo na tela.

Lá no começo eu comentei sobre o período em que a história se passa. A Era Dourada de Hollywood já mostrava desgaste no início dos anos 60, perdendo completamente sua força ao final dessa década. Nos anos 70 as produções americanas sofreriam uma reviravolta imensa, com produções mais realistas e se focando em pessoas ordinárias, com o qual o espectador poderia facilmente se identificar. O prelúdio dessa fase tinha surgido com rostos como os de Marlon Brando e James Dean, chamados de 'novos ídolos', apesar de vários atores da mesma época terem continuado a tradição do glamour hollywoodiano, como Elizabeth Taylor e Ava Gardner. No caso de Bette Davis, a atriz não gozava de tanto prestígio por parte dos produtores e diretores já no início dos anos 50, sua carreira fora resgatada em "A Malvada", mas ela não tinha sido sequer a primeira opção para o papel de Margo Channing. Joan Crawford já representava o glamour do passado na década de 50, e no começo da mesma fez uma equivocada declaração: "Não acredito que queiram ir ao cinema para ver alguém que podem ver na rua", referindo-se obviamente a esses novos ídolos. A cena final, na praia, mostra perfeitamente o deslocamento das duas atrizes/personagens, diante da música frenética típica dos anos 60 tocada no rádio e dos jovens na praia com um visual que marcaria a época.

A trilha sonora não é marcante, mas seria um fator desnecessário, não estamos falando de um filme de Hitchcock, onde a trilha sonora exerce um papel quase que fundamental para o impacto de seus melhores filmes (o que seria a cena mais famosa de "Psicose" sem a trilha sonora?), em "Baby Jane" o desenrolar da história por si só já é o suficiente, mas obviamente apoiado por excelentes atuações. “O Que Terá Acontecido a Baby Jane” foi realizado com um orçamento baixo e com duas atrizes que já estavam virando história. Aldrich realizou um trabalho primoroso e produziu um dos melhores suspenses psicológicos da cinematografia americana, mesclando drama, humor negro e suspense. Era Hollywood fazendo uma leitura de si mesma, e com um primor inigualável.

Café com Leite (2007)

2009-11-07T07:31:00.000-08:00

Primeiro curta metragem e filme brasileiro que eu coloco aqui no Blog. Eu não costumo assistir à curtas, mas esse me chamou a atenção pela quantidade de prêmios que ganhou e que continua ganhando (ver abaixo).

O diretor Daniel Ribeiro traz as telas um filme sobre encarar a realidade. Sem por em tema os clichês da maioria dos filmes sobre homossexualismo, que na maioria das vezes trata da aceitação, ele nos mostra a história de Danilo (Daniel Tavares). O jovem está em um relacionamento com Marcos (Diego Torraca) e pronto para sair de casa e finalmente viver a sua vida longe das preocupações de sua família. No entanto, a morte de sua mãe, deixa para ele a responsabilidade de cuidar de seu irmão mais novo, Lucas (Eduardo Melo). Agora ele terá que dividir seu tempo entre namorado de Marcos e pai/irmão de Lucas.

O copo de leite é posto em cena como uma metáfora ao amadurecimento, tanto de Lucas quanto de Daniel. O reconhecimento de Marcos por Lucas, como namorado de Dan é muito interessante. Vemos como as crianças entendem o amor com mais facilidade que os adultos. Destaque de atuação pra Eduardo Melo, uma das crianças que ouviremos falar em um futuro próximo (só esperamos que ele não caia em Malhação).

Finalizando essa curta resenha, indico o filme a todos que querem prestigiar uma película brasileira original e de qualidade.

PRÊMIOS

Prêmio Lente de Cristal de Melhor Curta-Metragem no Brazilian Film Festival of Miami 2008
Urso de Cristal no Festival de Berlim 2008
Prêmio aquisição Canal Brasil no Festival de Brasília do Cinema Brasileiro 2007
Melhor Ator no Festival de Cinema de Campina Grande 2008
Melhor direção no Festival de Cinema de Campina Grande 2008
Melhor Filme no Festival de Cinema de Campina Grande 2008
Melhor Filme de Ficção no Festival de Cinema de Campina Grande 2008
Melhor Roteiro no Festival de Cinema de Campina Grande 2008
Prêmio Porta Curtas no Festival do Rio 2008
Menção especial no Festival Internacional de Cine y T.V. de Cartagena 2008
Melhor Roteiro no Festival Internacional de Cinema de Itu 2008
Os 10 Mais - Escolha do Público no Festival Internacional de Curtas de São Paulo 2008
Prêmio Moviemobz no Festival Internacional de Curtas de São Paulo 2008
Melhor Ator no Festival Paulínia de Cinema 2008
Melhor direção no Festival Paulínia de Cinema 2008
Prêmio Revelação no For Rainbow - Festival de Cinema da Diversidade Sexual 2008
Melhor Curta - Júri Popular no LesGaiCineMad - Espanha 2008
Diploma Especial - Sunny Bunny no Molodist - International Short-Film Festival - Kiev 2008
Melhor Curta - Júri Popular no Torino Film Festival 2008
Melhor direção no Curta Santos 2008
Melhor direção em Curta-Metragem no Festival de Cinema e Vídeo de Cuiabá 2008
Prêmio VIVO Audiovisual - Melhor Curta-Metragem no Florianópolis Audiovisual Mercosul 2008

Shortbus (2006)

2009-11-03T18:16:00.000-08:00

"Nova York é uma cidade onde as pessoas vão para serem perdoadas"

Este é o filme que provavelmente leva ao extremo variados tipos de sentimentos. O orgasmo (La petite mort, a pequena morte para os franceses) talvez seja o único sentimento realmente físico. O sentimos primeiro e isso afeta o nosso psicológico posteriormente. Não é como a tristeza, em que sentimos as lágrimas em nossa face após uma descarga de emoções em nosso cérebro.

Shortbus é um filme extremamente subestimado, principalmente pelas cenas de sexo explícito quem contém. Elas são de fato as únicas coisas comentadas às pessoas que não o viram, e estas, por sua vez, não o verão por um burro preconceito ou baixarão da internet e verão sozinhas sem falar para ninguém. Eu o assisti em um cinema que fica exatamente em frente à minha casa, famoso por passar filmes europeus e os independentes americanos. Com cinco minutos de filme , um casal de idosos saiu da sala claramente constrangido. Não era para menos, os diferentes orgasmos sendo atingidos de forma explícita e de maneiras variadas (até mesmo um falso) deixaria qualquer um estupefato.

“Nova York é uma cidade de desconhecidos”. Eu provavelmente já ouvi essa frase em pelo o menos três filmes. Embora ela já tenha se tornado um clichê para mim, ela serve de pressuposto crítico a qualquer filme passado em Nova York que eu assisto. E é claro, não são poucos. Desde “Homem Aranha” à “Se meu apartamento falasse”, a premissa é verdadeira. Esse talvez seja o encanto dos diretores e roteiristas pela cidade das luzes. Uma cidade que tudo acontece e aconteceu. Em um ano em que se celebra o quadragésimo aniversario do episódio conhecido como Stonewall, não apenas a luta pelas causas LGBT estão a flor da pele, mas também a luta pela igualdade de todas as minorias. A idéia de um clube Underground formado após o episódio de 11 de setembro que abrigaria essa minoria, mais fragilizada do que o de costume, é no mínimo interessante.

Então vamos à história, ou melhor, às histórias: a terapeuta sexual Sophia (Sook-Yin Lee) conhece o casal Jamie (PH DeBoy) e James (Paul Dawson). Este está considerando abrir o relacionamento sexualmente e Sophia está tendo problemas com seu marido, pois nunca conseguiu ter um orgasmo. Os dois a contam do clube Shortbus, uma válvula de escapa aos nova-iorquinos depois do onze de setembro. James sofre de uma grave crise de identidade que se reflete em uma depressão constante. Ex garoto de programa, está gravando um filme com a finalidade que descobrimos apenas no final. Outra figura importante no filme é a Dominatrix Severen (Lindsay Beamish), que é paga para bater. Ela conhece Sophia no Shortbus e as duas marcam sessões de terapia, na qual uma tenta ajudar a outra: Severen a fazer Sophia finalmente gozar e Sohpia a entender por que Severen não consegue ter um relacionamento sério duradouro. Os “Jamies” encontram um rapaz muito divertido para a abertura do relacionamento. Ceth (Jay Brannan) é um ex-modelo que está a procura desesperadamente de um marido.

Vouyerismo, sadomasoquismo, lesbianismo e mais um tanto de “ismos” fazem parte do contexto do Shortbus. O filme consegue tirar grandes risadas em cenas como a do ovo vibratório, controlado por um controle remoto que Sophia dá à seu marido e, provavelmente, a cena mais comentada do filme, em que em um ménage à trois, James canta o hino dos Estados Unidos na bunda de Ceth. Além de cenas de extrema comoção, como a conversa entre o ex-prefeito de Nova York e Ceth, em que a fala transcrita acima abaixo da foto foi retirada. Além da cena em que James aparece sob a luz, após Jamie já estar perdendo a esperança de encontrá-lo (literalmente e subjetivamente falando).

É difícil classificar Shortbus. Ao ser questionado a respeito da diferença entre a pornografia e o filme, o diretor John Cameron Mitchell disse que “O propósito da pornografia é estimular. Aqui a prioridade é a vida emocional dos personagens”. E está para eu ver um filme que retratou os sentimentos dos personagens tão aguçados quanto este. Sim, através do sexo, mas também da raiva, do constrangimento, da dor, da tristeza, e não deixando o clichê de lado, do amor.

Desencanto (Brief Encounter) - 1945

2009-10-19T09:38:00.000-07:00

[Postado por Gian]Antes de dirigir "Lawrence da Arábia", "Doutor Jivago" e "Ponte do Rio Kwai", três das maiores produções cinematográficas já realizadas, David Lean tinha sua carreira concentrada em filmes britânicos, e foi nessa primeira fase, em meio a obras de gângsters e filmes noir produzidos durante a II Guerra, que ele dirigiu "Desencanto". Baseado na peça de Noel Coward, o filme não tem nada a ver com o gênero pelo qual o diretor ficou marcado: o épico, mas em minha opinião, é a sua melhor produção.

"Desencanto" é sobre um romance proibido entre um médico casado e uma mulher, também casada. Laura (Celia Johnson) é uma típica mulher dos anos 40, boa mãe e boa esposa. Entretanto, ao invés de focar sua vida apenas no marido e nos filhos, ela tem os seus momentos privados, mais precisamente todas as quintas-feiras, quando pega um trem e vai até outra cidade fazer compras, ler um bom livro e ir ao cinema, geralmente sozinha. Tudo está maravilhosamente bem até o dia em que ela está na estação de trem esperando-o para voltar para casa e, por causa de um cisco de carvão em seu olho, conhece o charmoso clínico geral Alec Harvey, que a liberta de seu pequeno incômodo. Após o incidente, os dois acabam por se encontrarem acidentalmente em outras ocasiões, e depois de um almoço inocente aqui e um cineminha ali, inevitavelmente se apaixonam.

A obra de Lean é fascinante, a começar pelo modo narrativo, em flash-back. Assim como em "Cidadão Kane", logo no começo do filme já nos é mostrado o final da obra, um desfecho triste da história de amor do casal, e é a partir desse final, que consegue transmitir uma carga dramática altíssima mesmo o espectador não sabendo exatamente o que está por vir (a genialidade se encontra nesse fator), que o enredo se desenrola, todo através da imaginação de Laura, que relembra os acontecimentos como se tivesse contando-os para seu amoroso e inocente marido, uma vontade de ser sincera que tenta reprimir a qualquer custo.

Além da narração relativamente fora do convencional, "Desencanto" possui uma fluidez de filmagem maravilhosa. Nunca ficamos cansados com o enredo, o filme é sim um melodrama, mas um melodrama de alto nível. Cenas como a de Laura rindo aliviada depois de uma conversa com seu marido (quando ela pensa que seu encontro com Alec não significou nada demais), ou quando seu amante está contando seus sonhos como profissional na área da Medicina Preventiva são muito prazerosas de se assistir. As passagens de amor entre Laura e Alec são puramente críveis, Lean nos faz sofrer com esse amor impossível e, ao concentrar boa parte da obra em uma estação de trem, sentimos a sensação de urgência e conseqüentemente de perigo iminente devido ao barulho da locomotiva e a sua pontualidade que, por causa da situação do casal, é absurdamente irritante. A obra também é focada mais no sofrimento de Laura, apenas sabemos um pouco da vida de Alec através de sua amante. Dentro outros motivos, esse foi um que fez com que a película fosse tachada, na época, como 'filme de mulher'.

Os atores principais nos presenteiam com atuações primorosas. Celia Johnson, na cena já comentada, deixa o espectador avisado sobre todo o sofrimento pelo qual o casal passou em poucas semanas, através de seu olhar, ao mesmo tempo confuso, desesperado e apaixonado, e com contrações nervosas da boca, uma sutileza de tirar o chapéu, além de sua voz doce, porém pesarosa. Trevor Howard faz o seu melhor ao dar vida a um médico sonhador e perdidamente apaixonado. O elenco coadjuvante dá um toque mais leve ao filme, especialmente a personagem interpretada por Joyce Carey (ela já havia atuado em outro filme de David Lean, "Nosso Barco, Nossa Alma), que trabalha na aconchegante cafeteria da estação, e seu affair interpretado pelo carismático Stanley Holloway (o divertido e simpático Alfred P. Doolittle de "Minha Bela Dama"), apesar da história entre os dois não acrescentar nada à trama ao não ser mesmo o alívio cômico. Cyril Raymond, o marido de Laura, também brilha em seus poucos momentos na tela. Por falar em cafeteria aconchegante, os cenários são bastante caprichados, destaque para a sala da casa de Laura e as cenas dentro do cinema (que serve como uma deliciosa curiosidade para os cinéfilos de plantão).

A direção de David Lean é segura, nunca se sobrepondo aos atores, pelo contário, ele tira o melhor deles. Filmado em preto e branco, Lean faz um belo contraste entre o claro das ensolaradas cenas matutinas (onde geralmente os amantes estão felizes, passeando de barco ou dirigindo por uma estrada), e o escuro, nas cenas da estação, como já dito, onde há sempre a sensação de urgência, e desespero devido principalmente ao peso na consciência da protagonista. Apesar do fator melodramático, os diálogos não são irritantemente melosos, pelo contrário, tudo é muito próximo do real, fazendo com que cada frase de Laura e Alec soe irreprochável.

“Desencanto” é um verdadeiro clássico, infelizmente pouco conhecido pelo grande público. De uma forma ou de outra, os épicos de Lean acabaram por ofuscar suas obras ‘menores’, mas não menos impactantes. Junto com "A Princesa e o Plebeu" (Billy Wilder), os filmes formam os dois maiores exemplos de uma obra sobre amor proibido de Hollywood.

Clamor do Sexo (Splendor in the Grass) 1961

2009-09-23T08:11:00.000-07:00

[Postado Por Gian]Elia Kazan é um dos maiores diretores norte-americanos de todos os tempos, suas obras são magníficas, abordando sempre temas polêmicos e relevantes.

Citando alguns de seus melhores trabalhos, "A Luz é Para Todos" aborda o anti-semitismo, trazendo Gregory Peck como um jornalista que se passa por um judeu; "Sindicato de Ladrões" tem um tema político, estrelando Marlon Brando como um ex-boxeador que luta contra um sindicato de corruptos; "Vidas Amargas" retrata o drama de um jovem (James Dean) e sua dificuldade de relacionamento com o pai e "Uma Rua Chamada Pecado", com certeza o seu filme com o maior peso dramático, é a película com aspectos bastante semelhantes ao filme criticado aqui, sexualmente falando.

"Clamor do Sexo", depois de "Uma Rua", é o filme mais polêmico de Kazan. Os belíssimos Bud (Warren Beatty) e Deani (Natalie Wood) são jovens que formam um casal apaixonado no final dos anos 20, um ano antes da Grande Depressão. Bud é herdeiro de uma grande companhia de petróleo, já Deani é filha de um doceiro, mas a diferença econômica não é nem de longe o principal fator que vai interferir em seu relacionamento. E qual é então o fator principal? O simples e puro desejo sexual. Ora, estamos falando dos anos 20, uma época em que uma garota 'de família' não podia nem cogitar a idéia de transar com seu namorado antes do casamento, por mais que o desejo aflorasse. Na verdade, o desejo da mulher tinha que ser totalmente reprimido, como diz a mãe de Deani à filha: - Só fazemos essas coisas para satisfazer os nossos maridos, para reprodução. A mulher não sente tanta vontade quanto o homem. Com esse diálogo, vemos que realmente muita coisa mudou em menos de cem anos, e a década de 20 seria o ponto de partida para as grandes mudanças ocorridas nesse século.

Devido à essa repressão sexual, Bud começa a ficar cada vez mais e mais frustrado, ele ainda tem que enfrentar o dilema entre ir para faculdade e casar com Deani só depois da graduação, ou continuar na cidade e trabalhar como fazendeiro. Ele também sofre uma forte pressão por parte de seu pai, que deseja ter um filho estudado, típicos dilemas da época que ainda persistem de alguma forma. Para completar, Bud tem uma irmã que é a ovelha negra da família, o oposto de Deani, ela não liga para o que os outros pensam e não tem medo de satisfazer seus desejos, em 1928, uma verdadeira promíscua.

As atuações são um dos maiores pontos fortes do filme, e não era de se esperar por menos, vindo de um verdadeiro diretor de atores. Em "Uma Rua Chamada Pecado", Marlon Brando e Vivien Leigh dão um show de intepretação, nesse o desejo sexual entre os dois é claro e confuso ao mesmo tempo, não há amor entre os dois, apenas um desejo carnal e um ódio espiritual. O diretor também tira o melhor de James Dean em um de seus únicos três filmes, Dean é mais que convincente na pele de um jovem atormentado por sua família. Estudante ilustre do Método Strasberg, Kazan desenvolveu com seus atores (principalmente Dean e Brando, esse último consagrado em "Uma Rua") um modo peculiar (para a época) de interpretação: falando de uma maneira mais superficial, o método consistia em fazer com que o ator resgatasse sentimentos (bons ou ruins) de seu passado e assim usá-los em prol do papel que estaria interpretando; um método muito controverso, recebendo pesadas críticas de grandes atores como, por exemplo, o shakesperiano Laurence Olivier, mas isso é outra história.

Em "Clamor", ele dá para Warren Beatty o seu primeiro papel de destaque, e o jovem ator se sai muito bem, mas é Natalie Wood, que já tinha provado ser uma grande atriz no eterno musical "Amor, Sublime Amor" e em "Juventude Transviada, que rouba o filme. A sua depressão gradativa por conta do afastamento de Bud (seu desejo fala mais alto e ele vai procurar outra garota para satisfazê-lo) é impressionante. Esse aspecto não deixa de ser um pouco forçado por parte de Willian Inge, o roteirista, que exagera melodramaticamente ao internar Deani num hospício. O exagero é ainda maior, pois não nos é mostrado claramente o afastamento do casal, quando percebemos, Deani já está berrando histericamente na banheira de sua casa, ainda bem que Wood trabalha com muita competência, e assim acaba nos convencendo e tornando tudo o mais próximo do real. O elenco mais velho também está ótimo, destaque para Pat Hingle que interpreta "Bud's old man", Hingle possuía um carisma natural mesmo quando interpretava personagens mais duros, como o "Old Man" em "Gata em Teto de Zinco Quente".

Um paralelo interessante pode ser feito com "Vidas Amargas" no que diz respeito à relação pais e filhos, em "Vidas" o sofrimento do joven interpretado por James Dean é diretamente proporcional à indeferença do pai; já em "Clamor" não há culpados, a mãe de Deani apenas a criou como a sua mãe a tinha criado, e assim sucessivamente (um fator explícito na obra em um belo diálogo), era simplismente a cultura da repressão sexual que predominava nas famílias.

A partir daí o romance acaba e o enredo segue outro rumo. Bud decide-se por ir à faculdade, mas não consegue terminar nem o primeiro ano devido ao seu desajustamento no ambiente acadêmico (- Sempre achei que não são todos que devem frequentar uma universidade, diz o reitor de Yale). Deani se apaixona por um jovem no centro psiquiátrico e quando entramos em 29, a crise financeira mundialmente conhecida afeta às duas famílias, causando um dano trágico para uma delas. Mesmo que parte da tragédia da película seja por conta dessa crise (outro aspecto mal explorado, ainda que não seja o tema principal), é impossível não termos a impressão que todos os acontecimentos são desencadeados pela repressão sexual dos jovens. As frustrações, os medos, as inseguranças, tudo é aumentado por causa disso, no começo de um século que mudaria completamente o jeito de pensar do Ocidente.

Com uma direção correta, filmando algumas cenas com ângulos fora do tradicional (mas já usados em "Vidas"), Kazan é ousado em dirigir uma obra com temas fortes e pouco mostrados no Cinema ainda nos anos 60. Essa década serviu como caminho para o Cinema da década seguinte, que definiria os padrões da Sétima Arte até hoje, os anos 60 estavam aos poucos se libertando das amarras, abandonando as ingenuidades e hipocrisias dos anos anteriores, como o Código Hays (que afetou drasticamente o roteiro original de obras como "O Pecado Mora ao Lado", por exemplo). Um clássico importante tanto no seu aspecto artístico quanto histórico.

"What though the radiance which was once so bright
Be now for ever taken from my sight,
Though nothing can bring back the hour
Of splendour in the grass, of glory in the flower;
We will grieve not, rather find
Strength in what remains behind..."

O Show Deve Continuar (All That Jazz) - 1979

2009-09-02T14:41:00.000-07:00

[Postado Por Gian]

O gênero musical entrou em decadência no final dos anos 60. A partir da década de seguinte Hollywood abriria mão dessas produções glamorosas e muitas vezes um tanto ingênuas para dar lugar a filmes com uma vertente mais pessimista, 'suja', política e consequentemente mais realista. A época de Ouro tinha se acabado. Entretanto, esse gênero não desapareceu por completo, em meados da década de 70 alguns bons exemplares foram produzidos, impulsionando assim a válida tentativa de não enterrar esse gênero que marcou a indústria cinematográfica, e um desses bons exemlos foi "All That Jazz".

Dirigido pelo escritor/diretor/coreógrafo Bob Fosse, a trama é um relato quase autobiográfico do próprio diretor, na tela interpretado por Roy Scheider. Joe Gideon (Scheider) é um coreógrafo perfeccionista que está produzindo um grande musical, mas ao mesmo tempo vive uma vida regrada de anfetaminas, cigarros e mulheres; entre os vários ensaios para a peça, Joe passa por poucas e boas em virtude dos vícios e do alto estresse, principalmente pelo fato de exigir demais de si mesmo.

"All That Jazz" não é um musical convencional por várias razões. A primeira delas e também a mais marcante é que a maioria dos números musicais nos são apresentados durante os ensaios frustrados coreografados por Joe, não há glamour nas roupas dos dançarinos ou nos cenários, há apenas o trabalho árduo e a beleza de seus corpos suados, com certeza esse é um aspecto revolucinário do gênero, que se esquivou da maneira como os musicais eram produzidos nas décadas anteriores, onde os números eram perfeitos e os dançarinos não derrubavam uma gota de suor. Outro motivo por esse ser um filme que marcou uma nova etapa do gênero é o fato de que os números dançantes não se sobrepõem a trama em si, muito pelo contrário, a vida cheia de prazeres (e sofrimentos) carnais de Gideon é retratada com muita solidez, não servindo como apenas um pretexto para os números musicais (diferente do que acontecia na época de Ouro de Hollywood quando em muitas ocasiões tínhamos enredos pífios, como nos filmes de Minnelli).

Mesmo sendo um musical, o filme pode se encaixar perfeitamente na onda pessimista (e realista) que dominou o Cinema a partir da década de 70. Logo na primeira cena vemos Joe conversando com o Anjo da Morte (Jessica Lange no auge de sua beleza), os dois falam sobre a vida do coreógrafo, fazendo um mapeamento de sua vida, Gideon não parece estar arrependido de nada. Esse aspecto negativo é bastante reforçado nas repetidas cenas onde Joe toma suas pílulas, coloca um colírio, toma banho com um cigarro na boca e logo depois se olha no espelho e diz: "Hora do show!".

O espectador pode perceber óbvias referências as obras de Fellini na película de Fosse, a mais evidente é como ele realiza de uma forma fantástica a mistura de realidade com fantasia, por exemplo, nas cenas com o Anjo da Morte ou quando ele relembra a juventude (outro aspecto parecido com o do filme de Fellini), com certeza a obra do diretor italiano de maior referência é "Oito e meio", que possui um enredo parecido com o do musical. Ambos mostram um diretor frustrado com sua vida pessoal e artística, em que não consegue achar inspiração para sua obra.

Roy Scheider está maravilhoso, com uma expressão sempre dividida entre os prazeres e a insatisfação, ele consegue com sucesso passar para o espectador a vida instável de um artista genial, onde há (quase) sempre um preço a se pagar. Jessica Lange também se mostra competente ao contracenar com Scheider, como se ela fosse sua psicanalista ou apenas uma amiga misteriosa. Destaque também para Ann Reinking, que interpreta um dos affairs de Joe, ela e a filha pequena do diretor brilham em todo o filme, porém na cena onde as duas fazem um número improvisado para animar o estressado artista é simplesmente maravilhosa. E nada de glamour!

"All That Jazz" é isso, um musical realista e um dos responsáveis pela sobrevivência do gênero. Uma obra muito bem dirigida por Bob Fosse e com uma ótima edição, sem prolongar desnecessariamente as cenas que poderiam se tornar piegas.

Na década de 80 e 90 foram produzidos pouquíssimos musicais relevantes, apenas agora na virada do século é que houve uma nova injeção de ânimo e criatividade, com obras inspiradíssimas como "Moulin Rouge" e "Chicago" (com o glamour todo de volta), só nos resta esperar para ver se mais idéias criativas produzirão essas películas cantantes e dançantes que marcaram tanto a história de Hollywood, com suor e realismo ou não.

De repente, No Último Verão (Suddenly, Last Summer) – 1959

2009-08-26T14:32:00.000-07:00

Grande parte da genialidade do diretor Joseph L. Mankiewicz se encontra em escolher roteiros de impacto para seus filmes. A Malvada tem um roteiro tão fantástico quanto às suas atuações. De repente, no último verão não é diferente. Baseado na peça de Tennessee Williams, a história causa impacto, choca e até mesmo diverte em certos momentos (Risadas de pena, como diz Barbra Streisand).

À priori, a loucura nos é mostrado como tema principal da obra. No entanto, o interesse que move todos os personagens se mostra muito mais importante. O interesse do jovem médico, Dr. Cukrowicz (Montgomery Clift), em validar e creditar sua nova cirurgia; o interesse do diretor do hospital estadual, em arrumar um investidor para quitar as dividas do hospital e aplicar em recursos para o mesmo; o interesse de Violet Venable (Katharine Hepburn) em esconder os segredos de seu falecido filho; o interesse financeiro Grace e George e até mesmo o interesse da jovem Catherine (Elizabeth Taylor) em sair do manicômio.

Assim como em Rebecca (1940), o personagem principal não se encontra no filme, mas todas as suas características, seu gênio, e ao longo da película, seus segredos, são revelados de tal forma que conseguimos vê-lo com perfeição, como se realmente estivesse atuando. Assim é o falecido Sebastian: um jovem poeta, rico que tem uma relação bastante estranha com sua mãe. Todo verão, os dois viajam juntos para países exóticos, onde o jovem termina seu único poema que estivera construindo ao longo do ano. De repente, no último verão, Sebastian decide deixar sua mãe e levar sua prima, Catherine para viajar consigo.

O poeta morrera no último verão, e Catherine ficou louca. O jovem médico é então chamado pela mãe para realizar a cirurgia de Lobotomia na sobrinha, que de acordo com ela, está precocemente demente. O jovem é claro, se apaixona pelos encantos da moça que está realmente transtornada (Era um filme dos anos 50, tinha que ter alguma paixão mesmo o filme mais dramático ou assustador. Vejam Lugar ao Sol). Descobertas são feitas e a loucura troca de papéis.

Na minha forte interpretação do filme, Sebastian era gay e muito tímido. Por este motivo, utilizava sua mãe e, no útlimo verão, sua prima para chamar a atenção de jovens excitados. Os tais contatos a que Catherine se refere são claramente sexuais. Vale lembrar que Tennessee era gay e assumido. Em várias de suas obras podemos notar o homossexualismo implícito em algum personagem e claro, os distúrbios sofridos pelos mesmos, que pode talvez ser explicada pela perturbada infância do teatrólogo.

Os Desajustados (Misfits, The) - 1961)

2009-08-26T14:15:00.000-07:00

[Postado Por Gian] 'Os Desajustados' é um filme marcante por três motivos. Primeiro, ele foi o último filme da carreira de dois lendários artistas do cinema: Clark Gable e Marilyn Monroe. Segundo, ele é o filme que mostra a real capacidade de atuação de Monroe e terceiro, é um filme sólido com um tema bastante forte, principalmente para a época.

O filme dirigido pelo também lendário John Huston (O Tesouro de Sierra Madre, Relíquia Macabra) nos conta a história de Roslyn Taber (Monroe), uma linda mulher que acaba de separar do marido. Após o divórcio, ela e sua amiga Isabelle (Thelma Ritter) conhecem Gay Langland, um típico caubói mulherengo, sem emprego fixo e que caça cavalos selvagens para depois vendê-los aos fabricantes de comida de cachorro. Juntamente com Gay, as duas também conhecem um amigo do caubói, Guido (Eli Wallach) e finalmente outro caubói, Perce (Montgomery Clift), e assim, esse quarteto Monroe-Gable-Clift-Wallach passam a viver uma espécie de triângulo (ou quarteto?) amoroso.

'Os Desajustados' é antes de tudo um filme pessimista. Todas as personagens principais possuem um passado marcado por algo ruim: Roslyn se divorcia devido à indiferença do marido, Gay é separado da mulher e quase não vê os filhos, Guido é um ex-combatente de guerra que perdeu a mulher enquanto ela ainda estava grávida, e Perce é um caubói errante que não possui mais uma carinhosa relação com sua mãe depois da morte do pai. Por causa desses acontecimentos em suas vidas, as personagens estão em constante conflito interno, perdidas no mundo, o título do filme não poderia ser mais apropriado.

Escrito por Arthur Miller, o roteiro é praticamente a personificação da vida de Marilyn Monroe, sua mulher na época. A vida Roslyn se parece muito com a de Monroe, e quem conhece pelo menos um pouco a vida do maior ícone do Cinema, saberá que isso não é mera coincidência, Miller escreveu o papel especialmente para a esposa. Tanto Roslyn quanto Marilyn não tiveram a mãe por perto quando criança, na película dá-se a entender que a mãe de Taber vivia fora de casa por conta de um caso extra-conjugal (3 meses fora de casa é muito tempo para uma criança) e que seu pai fora ausente, já a mãe de Marilyn passou boa parte de sua vida internada em hospitais psiquiátricos, e ela nunca soube a verdadeira identidade do pai, o que levou a pequena Norma Jean a passar vários anos de sua vida em orfanatos. Ambas estão perdidas, Roslyn diz que não sabe o lugar ao qual pertence, e sua intérprete sempre dizia à imprensa que não pertencia a ninguém, apenas ao público (Norma Jean passou a vida toda tentando achar sua 'identidade', e quando se tornou Marilyn Monroe, essa questão se tornou ainda mais difícil); as duas também tiveram um casamento falido (no caso de Marilyn, dois) e por fim, Monroe tinha aversão ao mal tratamento de animais, assim como Roslyn.

Bastante diferente das louras burras que interpretou em filmes como "Os Homens Preferem as Loiras" e "O Pecado mora ao Lado", Monroe nos apresenta uma atuação primorosa, brilhante; talvez pelo fato da personagem ser tão parecida com ela, talvez pelo fato de que em 1961 Marilyn já tinha uma boa bagagem de trabalho, ou talvez pelas duas coisas. A razão realmente não importa, quando a vemos na tela, temos a certeza que Monroe conseguiu chegar aonde ela tanto almejava estar: no mesmo patamar de outras grandes atrizes, e com certeza ela teria ido mais longe, se não fosse pela sua morte prematura em 62. Com um visual mais 'desleixado' (se comparado a seus filmes anteriores) e um pouco mais gordinha (mas sem jamais perder seu natural sex appeal), seu olhar consegue exprimir com perfeição toda a angústia sofrida por Roslyn, mas ao mesmo tempo ela consegue abrir um sorriso, que como diz Gable: "parece que o sol acabou de aparecer". E Monroe era exatamente assim na vida real, sua mente sempre divida por uma linha tênue entre a tristeza e a felicidade, a tristeza vivida por Norma Jean Baker que a todo momento tentava apagar seu triste passado, e a alegria vivida por Marilyn Monroe, que tentou a todo custo mudar completamente de vida tal como mudou seu nome.

Marilyn Monroe não teve muita chance de mostrar do que realmente era capaz, ela já tinha estrelado um drama contundente no início de sua carreira, interpretando uma babá psicótica em 'Almas Desesperadas', apesar do seu bom desempenho, a Fox não aproveitou esse seu lado dramático, deixando-a na maioria das vezes com papéis cômicos (o que ela fez com muita competência, diga-se de passagem), mas por essa razão, ela não era considerada uma atriz que podia ser levada a sério. Marilyn sempre foi muito insegura, não acreditava em seu talento, isso era devido a vários fatores, além de sua falta de confiança natural, sua instrutora dramática, Nathasa Lytess, exercia uma forte pressão sobre ela, a musa só sentia que tinha se saído bem em alguma cena se obtivesse a aprovação de Lytess. Provavelmente essa consideração iria começar depois de 'Os Desajustados', depois que Marilyn já havia se 'livrado' da instrutora e sua confiança para atuar tinha crescido, mas então já era tarde demais.

Entretanto a obra não é só dela, Gable está ótimo como Gay (isso não é um trocadilho), sua personagem faz um ótimo par com a de Monroe, apesar de não ter um emprego ou lar fixo, ele vive tranquilamente, como Gay mesmo fala, ele simplesmente vive e é isso que ele quer que Roslyn sinta, a vida. Num diálogo entre Gay e Roslyn, ele diz: - Nunca vi uma moça tão triste, ela responde, rindo: - Engraçado, os homens sempre me falam ao contrário, e Gay diz: - É porque você os faz sentirem felizes; esse diálogo parece ter sido feito diretamente para Marilyn, Miller a conhecia muito bem, e conseguiu com proeza criar uma personagem baseada em sua esposa.
Montgmery também está muito bem como o caubói que não teme a morte, mas seu papel é um pouco ofuscado, talvez porque a trama se concentra mais no triângulo Roslyn-Gay-Guido. Wallach intrepreta com confiança um homem amargurado pela morte da esposa e pelo

sofrimento pelo qual se viu vítima quando estava na guerra (bombas são como mentiras, você as joga e tudo fica calmo). E destaque também para Thelma Ritter, com seu sotaque do Brooklyn, sua personagem salva o filme do completo pessimismo, cada fala sua é cheia de uma ironia deliciosa (ela já tinha nos deliciado com seus papéis em Janela Indiscreta e A Malvada, uma eterna coadjuvante).

No começo da crítica eu disse que o filme tinha um tema forte, e isso é devido principalmente a descontrução que se faz sobre a insituição do casamento. Roslyn e Gay são separados e a mãe de Perce mudou da água para o vinho depois da morte do marido e quando se casou pela segunda vez, apenas três meses depois (ela parecia uma santa, sempre ao lado do meu pai). Isabelle até comemora os aniversários de seu divórcio e diz que já testemunhou 77 separações, quando Roslyn conta o motivo pelo qual está se separando (eu sinto que ele está lá, mas não posso tocá-lo), ela responde com um tom irônico que se esse fosse o motivo de todo o casal se separar, restariam apenas 11 casais nos E.U.A.

E por fim, temos o grande John Huston, que filma a obra com uma grande habilidade, a cena da perseguição dos cavalos é magnífica, o controle que Huston tinha em cenas filmadas em locais abertos é impressionante (vemos esse controle também em "Uma Aventura na África). O último ato do filme é todo concentrado nessa perseguição que o trio Gay-Guido-Perce faz aos poucos cavalos selvagens que restam, numa paisagem árida, para o desespero de Roslyn. Essa perseguição representa o próprio desajustamento das personagens, tentando prender cavalos com cordas numa paisagem deserta, o espectador percebe que eles próprios estão, de alguma maneira, querendo ser 'amarrados', talvez numa vida mais tranquila.

Por fim, o filme ainda possui um tom macabro pelas personagens sempre estarem falando sobre a morte, em uma cena tocante e linda, Roslyn diz à Guido que as pessoas morrem sem ensinar nada uma às outras (e isso também é condizente com a vida de Marilyn, que passou momentos frustrantes quando as pessoas negligenciavam a sua inteligência), Gay diz que apenas quem tem medo de viver tem medo de morrer, e Guido, por causa da morte da esposa e da sua experiência com a guerra, também faz declarações sobre a dita cuja tão temida. Escrevo sobre esse tom macabro pois Clark Gable morreu onze dias depois do término das filmagens (ataque do coração), Monroe faleceu menos de um ano depois (deixando um filme incompleto), Clift viveu por apenas mais cinco anos e Thelma Ritter nos deixou em 1969.

Possuindo também uma bela fotografia, "Os Desajustados" é uma grande obra, provavelmente o melhor filme de Marilyn Monroe e também um dos melhores de John Huston, imperdível!

Curiosidade: Durante as gravações, Gable "brincava" dizendo que acabaria por morrer de infarto devido aos atrasos crônicos de Marilyn...

A Princesa e o Plebeu (Roman Holliday) - 1953

2009-08-26T14:09:00.000-07:00

Mais um filme com essa estonteante atriz e pessoa. Audrey Hepburn brilha pela primeira vez em uma grande produção de William Wyler. O filme é A Princesa e o Plebeu, uma história tão ingênua e simples que só poderia ter ficado na memória daqueles que apreciam uma boa comédia romântica.

A princesa Ann (Audrey Hepburn) está em uma turnê de compromissos políticos pela Europa. Em Roma, saturada de tudo e de todos que rodeiam sua vida “real”, a princesa decide fugir e conhecer a cidade. No entanto, ela havia sido medicada por seu medico com um sonífero e acaba dormindo nas ruas de Roma. Encontrada pelo jovem jornalista americano Joe Bradley (Gregory Peck) ela é resgatada. No dia seguinte, o jornalista descobre quem ela realmente é, e vê ai uma possibilidade de matéria exclusiva com a princesa. Ela, é claro, não iria ficar sabendo de suas intenções.

Joe e Ann passeiam por toda Roma, visitando monumentos e lugares famosos da cidade; e o que era para ser um dia de diversão para ela e mais um dia de trabalho para ele, se torna uma história de romance impossível. Ao final do filme, mesmo sabendo que ele sabe quem ela realmente é, a princesa decide não falar nada, no entanto, o sentimento de perda é mutuo. A cena em que ele a leva de volta a embaixada é realmente tocante “leave me, as i leave you”, para mim, cenas como essa tornam de um filme um clássico.

O filme foi inteiramente filmado em Roma (o que era uma grande coisa na época). A produção foi formidável, a direção foi certa e as atuações esplendidas. Audrey recebeu o oscar de melhor atriz e a partir daí, decolou para outras produções de Hollywood. Mais um filme que eu recomendo.

O Lutador (The Wrestler) - 2008

2009-08-17T18:33:00.000-07:00

[Postado por Gian]A melhor frase que pode definir essa obra de Darren Aronofsky seria: Um filme de grandes atuações! Nesse aspecto, "O Lutador" quase se equipara à filmes como "Quem tem medo de Virgínia Woolf", "Uma Rua Chamada Pecado", "Gata em teto de Zinco Quente" e o mais recente, "Dúvida". Todas essas películas tem em comum a maneira de como conseguem, acima de tudo, conquistar o espectador pelas atuações brilhantes. O filme em questão não possui um roteiro tão original quanto os filmes citados acima, mas ele é triufante ao convencer quem o assiste de que o mais importa é como os atores conduzem essa história, e essa condunção é espetacular!

Randy "Carneiro" Robinson (Mickey Rourke) fez muito sucesso nos anos 80 como um lutador de luta-livre, mas por causa de sua vida sem limites, vinte anos se passam e nós é mostrado o preço pago por Randy por essa vida 'porra-louca': agora ele vive num trailer, luta apenas nos finais-de-semana em pequenos clubes e trabalha num supermercado para complementar sua renda.

Apesar do filme ser divinamente dominado por três atores, é Mickey Rourke que chega ao sublime. Sua vida pessoal se parece com a de Randy, como o lutador, Rourke também teve uma carreira que prometia levá-lo ao patamar das maiores estrelas, entrentanto o ator acabou sendo deixado de escanteio (também por causa de uma vida sem limites) e passou a estrelar, a partir da década de 90, apenas filmes B.

Muitos acham que Rourke só foi elogiado pela sua atuação porque a vida do lutador no filme se confude com a sua própria, afinal ele também tinha se dedicado ao boxe. Mas não é nada disso, sua perfomance é tão brilhante que é impossível pensar que tudo não passou de "um ator derrotado fazendo sua própria vida". Rourke apenas fez as escolhas erradas e com isso acabou por criar nos grandes produtores e diretores uma negligência em relação a ele, passando a impressão de apenas mais um que teve uma carreira passageira, e essa situação, é claro, acontece com vários artistas talentosos.

Analisando o filme pelo filme (que é a melhor maneira de se analisar qualquer forma de arte), temos um ator que nos mostra a verdadeira arte de atuar. Rourke faz de Randy um homem apaixonado pela única coisa que sabe fazer, apesar dos seus dias de glória já terem ido embora há muito tempo. A película é basicamente sobre como uma pessoa pode (ou não) se ajustar na sociedade depois de ter vivenciado uma vida de sucesso. Randy ainda é respeitado nos clubes onde luta e uma vez ou outra é reconhecido na rua, mas isso não basta, o que ele ama é estar rodeado pela sua 'família' (os espectadores das lutas, como ele mesmo diz), entretanto essa família apenas pode ser encontrada em um número bastante reduzido aos finais-de-semana.

Mas a película não gira apenas em torno dele, Marisa Tomei (outra atriz pouco aproveitada) também dá um show ao dar vida a Cassidy, uma stripper que é amiga e affair de Randy, apesar do corpo esbelto, ela já é considerada por muitos 'velha' para os padrões dos clubes de strip-tease, mas ainda assim Cassidy tenta seguir sua vida dançando, apesar de saber que os seus dias de 'glória' já acabaram. Ou seja, temos aqui duas pessoas tentando de alguma maneira continuar simplesmente a serem o que são, tentando fazer com que o tempo não tirem deles seus únicos talentos.

Devido ao rumo que sua vida tomou, Randy possui outro grande problema, que é o de tentar reconquistar a sua filha, ao contrário de Cassidy que apesar de tudo possui seu filho ao seu lado, o lutador procura sua filha (Evan Rachel Wood) com a esperança de uma reconciliação, mas apesar de saber o que precisa para poder conquistá-la, ele falha, e numa comovente cena entre os dois, Randy fala humildemente que sabe que errou, e sabe que continua a errar, ele apenas não consegue deixar de ser o que é, uma sinceridade comovente.

E não podemos esquecer de falar um pouco de Wood, com certeza ela é uma atriz com uma brilhante carreira pela frente, ela mostrou uma ótima perfomance em 'Dúvida' e agora nesse filme ela reforça seu talento, mesmo aparecendo pouco.

Diferente das técnicas mais sofisticadas usadas em "Réquiem para um Sonho" e "Pi", Aronofsk dirige a obra de uma forma quase documental, com a câmera na mão sempre mostrando as costas de Randy, como se ele sempre estivesse pronto a entrar num ringue. A cena que mostra seu primeiro dia como balconista é comovente ao mostrar as costas do lutador e os gritos dos espectadores, nessa cena temos a certeza que o lugar de Randy não é ali, só existe um lugar apropriado para ele, o ringue. As cenas de lutas, apesar de serem de certa forma coreografadas, são magníficas, Rourke consegue passar com tanta verdade a paixão de Randy pela luta-livre, que em nenhum momento sentimos nojo ou asco do esporte praticado (e olha que eu detesto lutas).

Por fim, não se deixe enganar pensando que a obra é apenas mais uma sobre 'luta de boxe', um derivado de Rocky ou Menina de Ouro, ele é muito mais que isso, é uma obra pura e simplesmente sobre um ser humano, que como um verdadeiro exemplar dessa espécie, fez escolhas erradas, se é que pode ser chamado de 'errado' alguém que não consegue deixar de ser o que é.

Se Meu Apartamento Falasse (The Apartment) – 1960

2009-08-15T10:38:00.000-07:00

As obras de Billy Wilder são marcadas por histórias extremamente originais e produções impecáveis. Em “Crepúsculo dos Deuses” (1950) foram usadas pedra poro para empoeirar a antiga mansão de Norma Desmond. O perfeccionismo é lembrado de forma positiva pelos atores que trabalharam com Wilder, afinal de contas papéis fantásticos nasceram de suas mãos.

Se meu apartamento falasse conta a história de Bud Baxter (Jack Lemmon), um funcionário de uma companhia de seguros que empresta a chave de seu apartamento para que colegas da empresa em que trabalha levem garotas, em troca eles prometem a Baxter uma ajuda na promoção. O rodízio da chave pela empresa dá certo até o dia em que seu chefe lhe chama para dizer que sabe do esquema e logo a pede emprestada também. Baxter é promovido de cargo quase que instantaneamente e para comemorar decide sair com Fran Kubelik (Shirley Maclaine), uma encantadora operadora de elevador da empresa.

O filme da uma reviravolta ao descobrirmos que Fran está tendo um caso com o chefe de Baxter, que é casado. Ao abandoná-la no apartamento na noite de natal com falsas promessas de separação, Fran decide por um fim em sua vida: Toma diversos soníferos. Por sorte, Baxter chega em seu apartamento e consegue chamar um médico para cuidar de Fran. Os cuidados e carinhos trocados pelos dois se tornam mutuo e daí surge o amor entre os dois.

O tema da superpolução na cidade de Nova York também pode ser notado no filme. A primeira fala é cheia de números, até chegar ao que representa Baxter. “Em primeiro de novembro de 1959 a população da cidade de Nova York era de 8.042.783 habitantes (...) nossa central tem 31.259 empregados (...) trabalho no 19º andar, departamento de políticas ordinárias, divisão de contabilidade, sessão W, mesa numero 861”. Nova York é uma cidade de anônimos, talvez essa seja a causa de tantos artistas buscarem nela um refugio; Greta Garbo parou de trabalhar aos 40 anos, mudou de nome e se mudou para lá. Uma cidade com tantos atrativos, possibilidades de entretenimento e pessoas para se conhecer tem um dos maiores índices de suicídio do mundo.

O suicídio foi retratado com tanta frieza que eu cheguei a ficar espantado em certa parte da história. Baxter diz à Fran que tentou se matar certa vez, no entanto, apenas atirou em seu joelho acidentalmente. Nas entrelinhas do filme estão a história desses anônimos de Nova York, dentro de pequenos apartamentos que escondem histórias fantásticas. Pessoas comuns, sozinhas e que buscam desesperadamente o sucesso. Quando não alcançado procuram uma solução mais fácil.

O filme ganhou cinco oscars: melhor filme, melhor diretor, melhor roteiro original, melhor direção de arte-preto e branco e melhor edição. Mais do que recomendado é obrigatório aos amantes da 7º arte.

Agora Seremos Felizes (Meet me in St. Louis) - 1944

2009-08-06T11:26:00.000-07:00

[Postado por Gian]Os musicais de Minnelli são conhecidos por sua leveza, simplicidade e canções que, ao meu ver, não são muito marcantes, mas não deixam de ser adoráveis. Agora Seremos Felizes é um desses casos, um musical descontraído que tem Judy Garland como seu melhor atrativo.

Vamos a história: Esther (Garland) é uma das quatro irmãs de uma típica família americana, eles vivem em St. Louis e o ano é 1903, ela é apaixonada por seu recém-chegado vizinho e sua irmã mais velha, Rose, está esperando um pedido de casamento, há também a irmã mais nova que parece adorar a cidade mais do que os outros, embora ela consiga ser insuportável na maior parte do filme (tenho a impressão que a dublagem ajudou nessa questão), porém tudo muda quando o chefe da família decide, por razões de trabalho, se mudar para Nova York.

O enredo é bem simples e por se tratar de um musical, consequentemente não é bem desenvolvido. Os filmes musicais de Minnelli tem o desenvolvimento ainda mais simplório do que o esperado, mesmo quando falamos desse tipo de gênero. O romance entre Esther e seu vizinho é bastante sem sal, e não há nenhum conflito propriamente dito. A trama é mais um pretexto para os números musicais, que por sinal são bem agrádaveis, canções como 'Meet Me in St. Louis, Louis', 'Have Yourself a Merry Little Christmas ' e principalmente 'The Trolley Song' fazem a película valer a pena, e claro, a encantadora Judy Garland no auge de sua beleza. Foi nesse filme que Minnelli conheceu a atriz, que se tornaria sua esposa.

Apesar de simplicidade, é impossível não deixar de admirar o charme desse musical da Era de Ouro de Hollywood, assim como outros do diretor: "Gigi", "Sinfonia de Paris" e "A Roda da Fortuna" não são obras-primas, pelo menos não se comparados a obras como "A Noviça Rebelde", "Cantando na Chuva" e "My Fair Lady", (nesses três últimos musicais é possível guardar no mínimo uma canção depois de assistir pelo menos uma vez, o que eu já acho mais difíceis nas produções de Minnelli), mas o espectador sente o amor com o qual essas produções foram feitas, é uma sensação que nunca será sentida nas obras atuais (nem nos musicais), existe uma mágica inexplicável nessa época do Cinema.

É também interessante notar um aspecto histórico no filme: quando a família descobre que irão se mudar para Nova York, ela fica apreensiva pelo fato das pessoas de lá morarem em "apartamentos apertados", bem diferente das casas espaçosas de St. Louis, Nova York já parecia uma 'loucura' em 1903! Imaginem essa família transportada para os dias atuais?

Aurora (Sunrise: A Song of Two Humans) - 1927

2009-08-02T19:06:00.000-07:00

[Postado por Gian]

Aurora é indiscutivelmente uma obra prima, um grande marco, tanto no cinema quanto na carreira do grande diretor F. W. Murnau. Um filme incrivelmente belo, com passagens inesquecíveis e brilhantes atuações.

A década de vinte foi a década do auge dos filmes mudos, onde gênios como Buster Keaton, Charles Chaplin, Murnau e Fritz Lang realizaram várias obras que são considerados obras primas e estão sempre em listas de melhores filmes.

Aurora é um deles. O filme de 1927 é primoroso ao abordar um tema aparentemente simples, mas cheio de emoção. Englobando drama, romance e até comédia, a obra de Murnau nos conta a história de um fazendeiro que se sente atraído subitamente por uma bela jovem da cidade grande, assim que ela descobre que ele é casado, a mulher não pensa duas vezes ao incitá-lo a matar sua mulher, afogando-a. É claro que há um certo absurdo em como a trama se desenrola no começo, como a rapidez com que o fazendeiro aceita a idéia da jovem, porém esses 'detalhes' são perdoados, afinal, o contexto em que eram relaziados os filmes desse tempo não podem nunca ser comparados com o de hoje em dia, o cinema funcionava diferente e pronto.

Mas nada atrapalha o desenrolar do filme, principalmente a partir da cena onde o casal está no barco, simplesmente macabra e arrebatadora, e quando logo depois vem o romance, cada cena filmada por Murnau é cheia de perfeição e sentimento. Eu até discordo da opinião de diretores e atores na época do rebuliço da passagem do cinema mudo para o falado, em que alegavam que o cinema não iria funcionar se adotassem as falas (Charles Chaplin foi um deles), porém ao ver Aurora, nos damos conta de como os dialógos seriam extremamente desnecessários, redundante, aqui o Cinema é pura imagem. A magia de tudo está nas atuações, principalmente na dos atores principais, George O'Brien, o marido, e Janet Gaynor, a esposa (que inclusive ganhou o primeiro oscar de Melhor Atriz!). Juntos, eles entram no hall dos melhores casais do cinema.

Há um certo 'exagero' nas expressões e nos trejeitos dos atores, mas isso era comum na época, esse 'exagero' era para 'compensar' a falta de diálogos, e ainda estamos falando de um filme de Murnau, que usou técnicas do expressionismo alemão para filmá-lo, como nas atuações e na fotografia, bem escura. Cinco anos antes, o diretortinha filmado a também obra prima Nosferatu, onde usou e abusou das técnicas do expressionismo.

Juntando a brilhante direção com as magnifícas atuações, cada cena de Aurora é inesquecível, dou ênfase a quando o marido pede perdão à esposa na igreja, simplesmente um espetáculo! E logo depois as cenas mais românticas que vão se desenrolando também são lindas, cheias de ingenuidade, mas adoráveis. Concordo com o Koball quando disse que algumas cenas cômicas parecem forçadas (no melhor estilo de Hollywood), mas nem isso atrapalha a grande obra que é Aurora.

Sabrina (1954)

2009-07-23T13:28:00.001-07:00

Isn't it Romantic?

Eu tenho uma paixão por comédias românticas que pode ser explicada pela simples razão de eu adorar um clichê. As falas prontas, a melação entre os personagens que enfrentam poucas e boas para terminarem juntos no final e aquele brilho nos olhos dos apaixonados quando se vêem pela primeira vez são refletidas nos pêlos dos meus braços se arrepiando e ocasionalmente algumas lágrimas nos olhos. Sim, eu me comporto pateticamente em certos filmes.

Sabrina é talvez uma das melhores comédias românticas de todos os tempos, e para mim a segunda melhor da encantadora Audrey Hepburn. A filha de um chofer é apaixonada pelo filho do patrão desde criança, David (William Holden) é o típico filinho de papai dos anos 50: freqüentou as melhores faculdades, namora as filhas da sociedade nova yorkina e não tem a menor responsabilidade nos negócios da família. Já seu irmão, Linus (Humphrey Bogart), é o responsável da família: o menino de ouro que se graduou com méritos em Yale e dirigi a empresa do pai.

Para esquecer David, Sabrina vai para Paris, onde estuda na melhor escola de culinária. Lá ela conhece um Barão que lhe abre portas, tanto de camarotes em óperas quanto de salões de beleza. Depois de dois anos, Sabrina volta para Long Island, agora mudada tanto no visual quanto em sua maneira de agir e enfrentar o mundo. Ainda apaixonada por David, consegue chamar sua atenção, no entanto, um pequeno acidente com taças de champanhe o torna incapacitado de sair com Sabrina por algumas semanas. Seu irmão, Linus, fica encarregado de levá-la ao teatro, jantares e um ocasional passeio de barco. Se isso não o fizesse se apaixonar pela filha do chofer eu não sei o que faria.

As atuações fantásticas, os cenários deslumbrantes e o figurino impecável fizeram desse filme uma produção classe A. O vestido simples que Audrey veste no começo do filme foi criado pela criativa Edith Head, no entanto, o figurino que Audrey usa após retornar de Paris foi desenhado pelo estilista Humberto de Givenchy que foi procurado especialmente pela atriz. Apesar da decepção de Humberto ao saber que não era Katherine Hepburn quem o procurara, a parceria do estilista com Audrey se tornou uma das combinações mais perfeitas no mundo da moda.

As descobertas de amor e de responsabilidade pelos irmãos Larrabee são exploradas ao longo do filme pelo diretor e roteirista Billy Wilder. Wilder teve a criatividade de tornar uma história tão simples em algo tão glamuroso e eterno aos olhos de quem têm a sensibilidade de enxergar uma comédia romântica em sua forma mais pura.

Alice

2009-07-20T17:30:00.000-07:00

"Mais vale uma Alice Voando, do que mil Alices com o pé no chão"

Este mês a HBO reprisa o seriado Alice que estreou no ano passado aqui no Brasil. A série é tão original, poética, dramática, divertida e simplesmente gostosa de assistir que vale a pena conferir a estréia dessa magnífica atriz: Andréia Horta.

Alice é uma guia de turismo de Palmas, Tocantins. Quando recebe a noticia de que seu pai havia falecido, ela decidi ir à São Paulo para o enterro. Seu noivo, seus amigos e sua família são deixados de lado quando ela descobre os prazeres dessa cidade do pecado. Alice vai morar com sua tia Hippie, Luli (Regina Braga), que tem um relacionamento lésbico com uma antiga amiga. Arruma um emprego em uma agencia de eventos, onde tem a chance de ir para as baladas e festas mais Vips de Sampa.

Ao decorrer do seriado outras histórias são contadas, como a da amiga de Alice, Dani (Luka Omoto), que acaba por ter um relacionamento à três, com seu namorado, Téo (Juliano Cazarré) e sua colega de apartamento, Marcela (Gabrielle Lopez). Drogas, bebidas e várias baladas são mostradas com um ar psicodélico e acredito que foi o que mais chamou a atenção dos jovens pela serie. Vale chamar a atenção para a fotografia, tanto das festas quanto ao mostrar a cidade de São Paulo, que foi homenageada de forma tão intensa pelos produtores.

Lutas de Telecat, sexo quase que explicito e músicas feitas sobre medida fizeram da série uma das melhores produções da HBO. É uma pena que o final do seriado não manteve o nível do começo. Mesmo assim, vale muito a pena acompanhar a saga de Alice, que é uma clara referencia à do País das Maravilhas. Ele reprisará do dia 21 de Julho ao dia 5 de Agosto pelo canal pago.

Quase Famosos (Almost Famous) 2000

2009-07-17T20:46:00.000-07:00

''Never take it seriously, If you never take it seriously you never get hurt. If you never get hurt, then you always have fun, and if you ever get lonely you just go to the record store and visit your friends.''

Meu interesse pelos anos 70 americano começou por causa de um seriado transmitido pela Sony chamado That 70’s show. Ele contava a história de seis adolescentes em uma época em que a maconha era o lanche da escola e o Rockn’roll era a trilha sonora. A primeira vez que eu assisti à “Quase Famosos” esse seriado me veio à mente quase que instantaneamente. A fotografia, a história e principalmente as musicas eram uma verdadeira homenagem a essa época extremamente interessante e marcante para a cultura norte americana.

O diretor Cameron Crowe baseou o roteiro em suas próprias memórias quando escrevia para a Rolling Stones sobre a banda Led Zeppelin, aos 15 anos, e participou de parte da turnê da banda. Ele se transpôs ao personagem William Miller (Patrick Fugit), um adolescente de 15 anos, criado por uma mãe solteira, professora universitária e um tanto quanto controversa. Sua irmã, a rebelde da família, ao mudar para São Francisco com o namorado, deixa para William todos os seus álbuns de Rock.

A idolatria de William por bandas como Black Sabbath, Led Zeppelin, The Beach Boys, e outras, o transforma em um jornalista de rock em potencial. Ele conhece Lester Bangs (Philip Seymour Hoffman) – que aliás era um verdadeiro jornalista de rock, ao qual Cameron era amigo – que lhe oferece um trabalho na revista Cream. Seus artigos chamam a atenção da maior revista de rock do país – A Rolling Stones -. William sai em turnê com a banda Stillwater e conhece Penny Lane (Kate Hudson), a personagem mais intrigante do filme. Ela pode ser chamada de Groupie (Fãs de bandas que dormiam com os integrantes), mas ela se considera uma “ajudante da banda”.

O filme não conta apenas com atuações memoráveis, destaque para Kate Hudson e Frances McDormand, que interpreta a histérica mãe de William; mas também com cenas memoráveis. A banda cantando “Tiny Dancer” de Elton John no onibus é simplesmente nostálgica, até mesmo para quem não a conhecia; Kate Hudson derrubando uma lágrima ao ser recriminada por William devido ao seu amor por Russel (guitarrista da banda Stillwater) é inesquecível, ela conseguiu criar uma personagem tão intrigante e esférica que se tornou a capa do filme. E a banda no corredor do aeroporto após a dramática viagem tem de fundo um solo de gaita que dá vontade de ouvir por horas e se lembrar de algo que a gente não viveu.

Já vi criticas sobre o filme recriminando-o devido às drogas e “porra-louquices” que são mostradas. Eu o recrimino em parte por ter pegado tão leve. Mostrar a realidade é a forma mais pura de homenagear algo e foi isso que Quase Famosos nos proporcionou: Respirou o Rock e homenageou os anos 70.

I love Lucy

2009-07-09T09:02:00.000-07:00

Mudando um pouco o foco do blog, vou falar do melhor seriado de comedia de todos os tempos. I Love Lucy estreou na CBS em 1951 e ficou no ar até 1957. Teve 180 episódios (incluindo o “Perdido” especial de Natal). Contava a história de um casal de Nova York: Lucy, uma atrapalhada dona de casa que fazia de tudo para entrar no mundo do entretenimento e Ricky, um cantor cubano que trabalhava em um clube de Nova York.

A sitcom foi baseada em um programa de rádio estrelada por Lucille Ball e Richard Denning, chamado “My favorite Husband”. Richard queria interpretar Ricky na versão para TV, no entanto, Lucille queria seu marido, Desi Arnaz, como protagonista da série. Os produtores ficaram preocupados com a reação do público à respeito do casamento “inter-racial” e pelo enorme sotaque de Desi. Para ajudar a decisão dos produtores, Arnaz e Ball fizeram uma peça com a música dele e a comédia dela, que foi aclamada em várias cidades. Por fim, os produtores aceitaram a dupla para a televisão, com a condição de não referirem o nome de Ricky no título. Ficou decidido como “I Love Lucy”, pois Desi sabia que o “I” era ele.

O seriado contava ainda com Vivian Vance e William Frawley, que interpretavam o casal Ethel e Fred. As situações em que Lucy e Ethel se metiam eram sempre as mais engraçadas. Nas ultimas temporadas, Lucy e Ricky tem um filho, o “Little Ricky”, interpretado por Keith Thibodeaux.

Embora o seriado tenha terminado em 1957, o show continuou por mais tres temporadas, com treze especiais de uma hora, rodados de 1957 a 1960, no começo se chamou The Lucille Ball – Desi Arnaz Show e depois retornou com o nome de The Lucy – Desi Comedy Hour.

Ao longo dos anos, o seriado ganhou cinco premios Emmy sendo duas vezes de melhor série de comédia, duas vezes para Lucille Ball e uma vez para Vivian Vance. I Love Lucy é o seriado mais popular dos Estados Unidos, suas cenas memoráveis são ainda hoje lembradas e retratadas por diversas series e filmes. No entanto, é impossivel copiar essa obra de arte. Acredito que jamais rirei tanto quanto rio quando assisto à Lucy.

Meu Amigo Harvey (Harvey) - 1950

2009-07-06T06:09:00.000-07:00

[Postado por Gian]
"Meu Amigo Harvey" é uma daquelas comédias típicas dos anos dourados de Hollywood, cheia de carisma e pureza, duas características que certamente não combinam com a maioria das comédias produzidas hoje em dia.

Estrelada pelo formidável James Stewart, a trama nos conta a história de Elwood P. Dowd, um homem que tem um amigo basta peculiar: um coelho gigante de 1.91 de altura chamado Harvey! Ah, um detalhe: esse amigo é puro fruto de sua imaginação.

Dowd mora com sua irmã Veta e sua sobrinha Myrtle, que passam poucas e boas por causa da imaginação fértil dele, chegando a ponto de perderem os seus contatos sociais, e o momento não poderia ser pior por conta da procura incessante de Veta por um marido ideal para sua filha. Cada vez mais elas percebem que Dowd está espantando todas as pessoas de sua casa, e tomam uma decisão drástica: internar o pobre homem.

A partir daí a história toma um rumo bastante inesperado e inevitavelmente hilariante, onde os acontecimentos chegam no limiar do absurdo, mas se tratando de uma comédia dos anos 50, não há nada mais natural. É bastante agradável ver todas as reviravoltas pela qual a trama passa.

James Stewart nos apresenta uma atuação bastante divertida, sem dúvida um dos maiores atores de todos os tempos, ele consegue com proeza nos conquistar com a sua relação com Harvey, chegamos até a acreditar que o coelho realmente existe tamanha a sinceridade em que Dowd o trata, seja nos seus diálogos ou nos seus gestos.

Apesar do tom cômico, 'Harvey' também possui um lado crítico ao mostrar o sanatório para onde Dowd é levado. É claro que tudo é lidado com um certo exagero, mas é clara a crítica em relação ao que realmente difere um 'louco' de um 'normal'. Porque Dowd seria um louco? Afinal, ele não está fazendo mal ao ninguém, ele apenas tem um amigo nada convencional. A cena em que o médico do sanatório pensa que é a sua irmã, Veta, que está louca, é bastante crítica, afinal, Dowd continua na dele, tranquilo e sorridente, enquanto sua irmã entra num estado completamente histérico por causa de Harvey.

Talvez essa crítica do filme não tenha chamado muita atenção para os expectadores daquela época, mas ainda é bastante válida para os dias de hoje. Na cena ótima e bastante crítica em que um taxista, que costuma levar os ditos loucos para o sanatório, diz à Veta que 'os loucos' entram no sanatório de um jeito (simpáticos, gentis e alegres) e depois de injenção de 'cura', saem rabugentos e reclamões, podemos perceber a preocupação que a trama teve em explorar, mesmo de um modo superficial (o que nesse caso era inevitável), as questões que lidam com a linha obscura entre a sanidade e a loucura.

Mas para não acabar viajando demais na maionese, termino aqui dizendo que é uma película bastante agradável, com atores afiados (destaque também para Josephine Hull como a histérica Veta) e uma boa direção. Quem sabe ao final do filme você não vai acabar desejando a companhia do simpático Harvey?

Novo Membro

2009-07-06T05:53:00.000-07:00

O Gian Luca é um dos meus melhores amigos e é simplismente um dos meus maiores mentores na minha paixão por cinema clássico. Ele faz Letras - Inglês - na UFES (Universidade Federal do Espirito Santo) e postará algumas de suas críticas aqui no sincecinematographe comigo.

A Noviça Rebelde (The Sound Of Music) - 1965

2009-06-26T19:32:00.000-07:00

Os Alpes austríacos servem de cenário para esse encantador musical. Pouco antes da invasão nazista na Áustria, uma jovem noviça vai trabalhar de governanta na casa de um rígido ex-capitão da marinha, viúvo e com sete filhos. Os filhos do capitão Von Trapp são mantidos quase que em uma ditadura exercida pelo pai e para chamar um pouco de atenção as crianças costumam ser impossíveis com as governantas. No entanto, a chegada da “noviça rebelde” trará um pouco de alegria e muita música para as crianças, além de amolecer o coração de seu pai.

“The Sound Of Music” foi um dos musicais mais famosos e rentáveis da Broadway. A adaptação para o cinema foi dirigida por Robert Wise. Não podemos esquecer da dupla de compositores Richard Rodgers e Oscar Hammerstein que criaram as inesquecíveis musicas da peça e produziram o filme. A história da noviça é baseada em fatos reais, e a verdadeira Maria chega a aparecer como figurante no filme.

Julie Andrews é a protagonista da história. Sua voz, sua dança e sua performance realmente são o que chamam de ameaça tripla.Conseguimos nos emocionar desde a primeira cena: a filmagem de longe das montanhas e a chegada dessa exuberante noviça que canta por amor ao som da musica.

As crianças Von Trapp também merecem destaque no filme. Souberam atuar de uma forma natural e inocente, é claro que a maior parte dos créditos por isso é do diretor. Imprevistos como queda de dentes e o crescimento além do esperado de um dos meninos (como eles ficavam em ordem de tamanho, no final do filme o segundo da fila estava maior que a primeira, desse modo ele tinha que se abaixar um pouco quando ficava do lado dela no final das filmagens) fizeram parte das filmagens.

Acredito que a parte Nazista do filme serviu como a cereja do bolo. Sem esse detalhe o filme seria provavelmente menosprezado pela Academia, como é até hoje com diversos musicais merecedores da estatueta. Ganhador de cinco Oscars, inclusive melhor filme, “A Noviça Rebelde” está na prateleira de qualquer colecionador e apaixonado por musicais, inclusive na minha!

Edith Head

2009-06-12T18:08:00.001-07:00

Pegando o gancho de Hitchcock, vou fazer um breve resumo sobre uma estilista que trabalhou exaustivamente na grande maioria dos filmes do tio Hitch. Edith Head foi com toda a certeza a maior estilista da história do cinema. Ela nasceu em Nevada, mas logo se mudou para Califórnia. Foi professora de Francês durante anos em algumas universidades americanas e tomava aulas de arte a noite.

Em 1924, apesar da falta de experiência no mundo da moda, foi contratada como desenhista de roupas pela Paramount Pictures. Ela começou desenhando vestidos para filmes mudos, e em 1930 já era uma das mais conhecidas estilistas de Hollywood. Em 1967 abandonou a Paramounts, pela qual trabalhou 44 anos, e passou a trabalhar para a Universal. Durante sua carreira foi indicada 35 vezes ao oscar de melhor figurino, inclusive todos os anos entre 1948 e 1966. Ganhou 8 vezes a estatueta.

Edith Head foi um ícone no mundo da moda e até hoje inspira centenas de estilistas. A graça e glamour que Hollywood tivera durante seus anos de ouro devem muito a essa fabulosa estilista.

Uma curiosidade: Na animação da Pixar “Os Incríveis” a divertida estilista Edna Moda é uma provável personificação de Edith Head. Os óculos redondos e a baixa estatura da estilista provavelmente serviram de inspiração para essa simpática personagem.

Abaixo, Três de suas obras de arte na década de 50:

(Bette Davis - A Malvada - 1950)

(Liz Taylor - Um Lugar ao Sol - 1951)

(Audrey Hepburn - A Princesa e o Plebeu - 1953)

Alfred Hitchcock

2009-06-06T08:21:00.000-07:00

Loiras Frias: "Verdadeiras damas, que se tornam prostitutas entre quatro paredes"

Nascido no leste londrino e educado por jesuítas, Hitchcock entrou na indústria do cinema em 1920 como desenhista de legendas de filmes mudos, mas logo se tornou diretor de arte, roteirista e diretor assistente. Fez nove filmes mudos, entre eles “o pensionista” (1926), o primeiro com a sua marca: a breve aparição na frente da câmera.

Após a chegada do som, o britânico soube dominar a nova tecnologia, e em 1940 foi convidado por David Selznick à Hollywood para dirigir a adaptação da obra de du Maurier: Rebbeca, a mulher inesquecível. Na minha opinião, este filme está no TOP 3 de Hitch. A trama conta a história de uma jovem assistente de socialite que se apaixona por um homem extremamente rico. A jovem se casa com o milionário e vai morar em sua mansão. No entanto, o espectro da falecida primeira esposa do homem, Rebbeca, atormenta a vida da mulher a ponto de segredos de seu marido serem revelados ao longo do filme. A película foi consagrada com a estatueta da academia e Hitchcock se transformou em um dos diretores mais promissores de Hollywood.

Numa época em que os estúdios controlavam os atores e diretores, Hitchcock foi o pioneiro na independência de contrato. Dessa forma, ele escolhia os filmes que iria dirigir e para quem iria trabalhar. Em 1954, Hitchcock dirigiu Janela Indiscreta, onde um fotógrafo (James Stewart), observa seus vizinhos do prédio da frente com um binóculo. Seu par romântico no filme é a “imaculada” princesa Grace Kelly. O mais interessante desse filme, a meu ver, foi o set. Hitchcock destruiu o subsolo de um estúdio para construir o prédio da frente do fotógrafo, desse modo, ele conseguiria um ângulo tal que daria para filmar o prédio por inteiro.

Um corpo que cai, é um dos filmes mais questionados de Hitch. Alguns julgam o final um tanto quanto idiota, mas eu o considero uma obra prima. A Vertigem é abordada de um modo tão real, com cenas de alturas e de homens caindo em ângulos nunca antes visto. James Stewart é novamente o seu protagonista e a loira da vez é a irresistível Kim Novak.

Em 1960, Hitchcock atingiria o seu ápice. Psicose é um dos filmes mais lembrados de todos os tempos. Talvez não pelo o nome, mas por uma cena em particular: A morte da protagonista na metade do filme. O som estridente, a cortina rasgada e Vera Miles nua no chuveiro fizeram da cena uma perfeição em técnica, ângulo e atuação. A loira fria, que dessa vez decidiu roubar dinheiro do banco em que trabalha, não tem o tempo de se redimir e acaba sendo morta por um psicopata com um provável complexo de Édipo.

Finalizando os meus filmes preferidos do tio Hitch, quando penso em Os Pássaros eu me lembro da fotografia. As imagens são estonteantes. Uma advogada (Jéssica Tandy) se sente atraída por um cara que conhecera na loja de pássaros. Ela viaja algumas milhas para fazer uma surpresa em sua casa. Budega Bay, um vilarejo de pescadores, nunca seria mais o mesmo, com os estranhos ataques de pássaros desde a chegada da loira tarada. Nesse filme, vemos novamente uma relação estranha entre o personagem principal e sua mãe.

“Sou um diretor tipificado. Se fizesse Cinderela, o público logo procuraria um corpo na carruagem.” Eu provavelmente acrescentaria uma coisa a essa frase: Procuraria também o ator sentindo um cheiro desagradável, pois um fato curioso perturba a minha cabeça e a de um amigo meu, sempre que assistimos a um filme do britânico: suas protagonistas nunca tomam banho. Às vezes passam dias com a mesma roupa, e a única que vemos tomar banho é assassinada. Hitchcock é simplesmente uma aberração psicológica: não só tendo complexo de Édipo, também é sadomasoquista, mais tarado por loiras que a xuxa e ainda tem fetiche por mulher suja. HAHA, é claro que eu estou brincando com a imagem desse magnífico diretor, que com certeza é um dos maiores do século passado e um dos que mais influencia os diretores de nossa época.

A Razão do meu Afeto (The object of my affection) – 1998

2009-05-31T17:19:00.000-07:00

Head up Young person!

Eu criei esse blog a priori para escrever sobre todos os filmes que eu via. No entanto, acabei me direcionando aos meus clássicos filmes preferidos. Bom, eu irei continuar falando dos meus filmes preferidos, mas começarei a falar de filmes mais atuais também. O restinho do que há de bom em Hollywood hoje, porque afinal, esse blog também tem o intuito de homenagear essa tão discutida indústria cinematográfica.

Filme pouco conhecido, mas de grande roteiro e fabulosas atuações, A Razão do meu Afeto pode ser considerado uma comédia romântica com um pouco de drama. Pode ser escrito em sua sinopse que discute a amizade, que fala sobre um homossexual que vai morar com uma mulher, que aborda a questão das escolhas ou que simplesmente trata do amor. A produção do filme em si não é lá grandes coisas, fiquei abismado quando soube que gastaram 15 milhões para fazê-lo, mas a história com certeza ficará matutando a sua cabeça e te fará refletir sobre certos assuntos.

Nina (Jennifer Aniston) é uma assistente social que mora no Brooklin, George (Paul Rudd) é um professor de primário que mora com seu extraordinário namorado em Manhattan. Após Joely terminar o namoro com George, este vai morar com Nina, com quem acaba se dando muito bem. Os dois se inscrevem em aulas de danças, conversam sempre e confiam muito um no outro. As cenas das danças são uma clara homenagem a Cantando na Chuva, a música principal do filme é “You were meant for me”, particularmente é a mais bonita do clássico de 52.

Quando Nina descobre que está grávida de seu namorado, Vince, ela pede a George que fique e crie a criança com ela. A principio, George não gosta muito da idéia, mas após ver uma criança jogando bola com o pai numa tarde, ele decide que seria uma boa idéia criar um filho com sua melhor amiga (é um tanto quanto clichê essa parte, mas se pensar bem, até hoje, para um homossexual ter um filho é tanto quanto complicado).

Uma das melhores cenas e, um tanto quanto um choque para mim, é quando Nina e George acabam se beijando e quase transando, se não fosse pelo ex do George ter ligado. A gente consegue sentir que são apenas duas pessoas que se gostam muito e querem fazer a outra feliz. No entanto, a condição de George, provavelmente, o impossibilitaria de continuar com Nina daquela maneira.

Nina acaba se apaixonando por George, e este acaba se apaixonando por Paul, um estudante de teatro que mora com um critico extremamente culto chamado Rodney. Este por sua vez, é apaixonado por Paul. Essa trama é um pouco mais simplória do que aparenta. No entanto, é o que dá nome ao filme por uma frase extremamente verdadeira dita por Rodney a Nina: “Acho que não devemos ser tão severos com nós mesmos se a razão do nosso afeto retribui o carinho com um pouco menos de entusiasmo do que gostaríamos”. É claro que George não fica com Nina, e é esse o ponto chave do filme, que nos faz refletir tanto. Eu não vou ficar me atendo aqui a nenhuma ideologia contra preconceitos ou qualquer coisa assim. Mas é importante observar a condição de alguém destinada por quem você quiser, por Deus, pelo carma ou sei lá, que é tratada com extrema sensibilidade pelo filme.

Concluindo, roteiro impecável, atuações no mesmo nível e reflexões para a vida são o que tornam esse filme um dos poucos novos que me marcaram.

Dr. Jivago (Dr. Zhivago) - 1965

2009-05-30T14:35:00.000-07:00

A Revolução Russa nunca fora tratada com tanta sensibilidade!

O diretor David Lean sempre será associado a grandes produções. E grandes produções boas, não grandes produções iguais as de hoje em que gastam milhões com efeitos especiais e esquecem de pagar o roteirista. A Ponte do Rio Kwai, Lawrence da Arábia e Oliver Twist fazem parte do grande curriculo of this brilliant british!

Em 1965, no entanto, Lean alcança o ápice de sua criatividade cinematografica. Uma história de amor em meio a Revolução Russa baseado no romance de Boris Pasternark mistura a sensibilidade do jovem poeta medico Yury Jivago e as conturbações que envolveram antes, durante e depois a Revulação de Outubro.

O filme começa com a suposta filha de Yury, que é procurada pelo irmão do médico, ouvindo a história de seu pai.

órfão ainda quando criança, Yury (Omar Sharif) é levado à Moscou para morar com seus tios. As oportunidades que seus parentes lhe dispõe transformam yury em um médico com grandes possibilidades de sucesso: o casamento meio que arranjado com sua prima Tonya (Geraldine Chaplin) e seu sucesso como jovem poeta nos jornais da Europa tornam a vida do médico quase que perfeita. A história de Yury, no entanto, é traçada com a de Laura (Julie Christie), estudante de medicina, filha de uma costureira pobre, atormentada pelo namorado da mãe e apaixonada por um revolucionário.

O filme é também uma aula de história. Mostra com perfeição de detalhes o "Domingo Sangrento", como ficou conhecido a marcha do povo russo contra o czar que acabou em um massacre sobre a neve. A desistencia do exército russo de lutar na IWW e as condições de moradia em Moscou. Yury e Laura se apaixonam quando os dois trabalham cuidando dos feridos da guerra. Yury, no entanto, engravidara Tonya e tem que voltar para sua casa, que agora divide com mais 20 familias. Quando resolvem mudar para uma casa no campo, Yury reencontra Laura e acaba tendo uma relação extraconjugal durante mais de um ano.

A fotografia do filme tornam-o muito mais prazeroso de ver. O branco da neve mistura-se com o vermelho do sangue nas ruas de Moscou e na metade do filme as flores amarelas em meio ao campo verde tomam conta da tela e nos dão cenas realmente para toda a vida.

Dr. Jivago não é somente recomendável ao cinéfilos, é obrigatório. Acredito que nenhum filme sobre a Revoulução Russa tocará tanto quanto essa novela reproduzida com Perfeição por David Lean nos tocou.

Uma Rua Chamada Pecado (A Streetcar Named Desire) – 1951

2009-05-11T11:25:00.000-07:00

“…Plus all the petty laughs, In Tennesse Williams’ plays…”

O trechinho da música “Love is a Bore”, da fabulosa Barbra Streisand, resume um pouco uma das diversas características marcantes do trabalho de um dos maiores dramaturgos da história do cinema: Tenesse Williams. Sim, dramaturgo do cinema, pois Williams ajudou diversas vezes na adaptação de peças suas para o cinema. De repente, no último verão, Gata em Teto de Zinco Quente e Boneca de carne são alguns dos memoráveis filmes que levam sua assinatura.

No entanto, “Uma Rua Chamada Pecado” é considerada a obra mais marcante de Williams e o mais marcante filme de Elia Kazan. Blanche DuBois (Vivien Leigh), uma mulher neurótica e problemática vai visitar sua irmã, Stela (Kim Hunter), em Nova Orleans. Fugida de sua cidade natal após tentar seduzir um menino de 17 anos, Blanche afetará o cotidiano de sua irmã e de seu cunhado, Stanley Kowalski (Marlon Brando), a ponto de separá-los. As brigas do casal são extremamente fortes, e a atuação de Leigh é uma das mais marcantes da história do cinema. Talvez Kazan desperte isso nos atores, o diretor nascido em “Istambul not Constantinopla” (hehe) dirigiu Sindicato de Ladrões, Vidas Amargas e A Luz é para Todos, todos com atuações fantásticas.

Os cenários “naturalistas”, por assim dizer, tornam o filme realista e quente. Toda vez que eu assisto à Uma Rua eu fico com calor. Talvez seja porque o Brando está sempre suado e acaba tirando a camisa por diversas vezes. Por esse motivo, algumas cenas do filme foram censuradas na época, hoje, podemos conferi-las na versão do diretor em dvd. O título original “A Streetcar Named Desire” é uma referência ao bonde que Blanche pega para chegar à casa de sua irmã. No entanto, o título em português foi mudado para “Uma Rua Chamada Pecado” por causa da censura. Essa era uma forma bastante comum na época, como no filme “Peyton Place” que em português foi mudado para “A Caldeira do Diabo”.

O trabalho memorável desses dois artistas ficarão eternizados nas telas e nos livros. Tennesse sempre será lembrado por suas peças com personagens complexos, cenas com “risos insignificantes” e um incômodo reflexivo no final de cada leitura. Elia já está em qualquer lista de melhores diretores da história, planos perfeitos, cenas intrigantes e direção de atores fantásticos como ele. “Uma Rua Chamada Pecado” é o espelho da obra feita com perfeição por esses dois artistas.

A Primeira Noite de um Homem (The Graduate) 1967

2009-04-17T06:17:00.000-07:00

“Mrs. Robinson, you’re trying to seduce me...”

Uma das frases mais famosos do cinema norte americano vem de um dos filmes mais bem montados do cinema norte americano. “The Graduate” é o tipo de filme que eu penso que se uma pequena coisa tivesse sido mudada ele não teria a mesma sensação. Se tivesse ido para Robert Redford o papel de Benjamin Braddock, se o roteiro não tivesse sido escrito por Willingham e Buck Henry, se não tivesse sido dirigido por Mike Nichol e se a trilha sonora não tivesse sido feita por Simon and Garfunkel. Meu Deus, se a trilha sonora não tivesse sido feita por Simon e Garfunkel, concerteza o filme não seria o mesmo.

Passar a insegurança de um recém formado que não sabe absolutamente nada do que fará em sua vida após voltar para sua casa em Pasadena é um trabalho feito com perfeição por Dustin Hoffman. O começo do filme, com closers de Hoffman, nos fazem sentir em sua situação: encurralado naquela sociedade fria, que apenas julga. A partir do momento que Anne Bancroft, a Senhora Robinson, entra em cena, conseguimos sentir como o personagem de Hoffman se transforma. A insegurança se mistura com a curiosidade do jovem Braddock pela mulher mais velha, casada e amiga de seus pais. Os planos de filmagem se tornam mais amplos.

Cenas memoráveis com filmagens estonteantes são extremamente comicas, o que tornam o filme cada vez mais interessante e gostoso de assistir. No entanto, Desaconselho os claustrofobicos a assistirem a cena em que a camera está no escafandro, ela deixa qualquer um desconfortável. A sequencia de cenas em que Benjamin já está acostumado com a vida mole que leva: ficar na piscina, traçar a Mrs. Robinson e beber cerveja é uma obra de arte.

A virada que a obra dá, quando Braddock se vê apaixonado pela filha da Senhora Robinson é a “cereja” do filme. Enfim, quando penso em “A Primeira noite de um Homem” penso em um projeto. Peças que estavam dispostas em Hollywood e foi Mike Nichols que as juntou. As juntou com precisão e as tornou em uma obra de arte. Claro que muitos iriam dizer que eu estou exagerando, mas se pensarmos em Hollywood de hoje, quantos filmes vemos nesses moldes? Com essa precisão de detalhes? Com esse roteiro? E principalmente: com essa música?

Parênteses - Greta Garbo -

2009-04-11T19:41:00.000-07:00

Greta Garbo nasceu em 18 de setembro de 1905 em Estocolmo na Suécia. Garbo estudou arte dramática na Kungliga Dramatiska Teatern quando foi descoberta pelo diretor finlandes Mauritz Stille, que a partir de então passou a ser sua figura paterna. Eles fizeram apenas um filme juntos, mas continuaram na trajetória da promissora atriz até hollywood.

Stiller levou Garbo à Alemanha onde trabalhou com o expressionista alemão Georg Wilhelm Pabst. A atuação de Garbo chamou a atenção do magnata dono dos estúdios MGM, Louis B. Mayer.

Greta e Stiller estavam quase desistindo da carreira pela demora em conseguir levar a atriz sueca ao estrelato. Um dos motivos era a aparencia de Garbo, que fugia dos padrões estilo Lilian Gish da época. Outro motivo era a dificuldade de comunicação, Garbo ainda estava aprendendo o inglês quando chegou aos Estados Unidos. No entanto, um ensaio fotográfico em Nova York com o fotografo Arnold Genthe mudou o jogo para a atriz. Garbo acabou assinando um contrato com a MGM de 400 dólares semanais.

A partir daí, Garbo virou um ícone do cinema mudo trabalhando diversas vezes com o ator John Gilbert com o qual teve uma relação amorosa. Um dos filmes de destaque da dupla foi “A carne e o Diabo” (1927) no qual interpreta uma mulher que apaixonada por um homem que pensou não ver mais acaba se casando com o melhor amigo dele.

Um dos motivos para Garbo se destacar no cinema mudo era a sutileza de sua atuação, ela sabia que nas telas sua expressão poderia ficar um tanto quanto forçada, portanto, fazia o máximo para interpretar com a maior delicadeza e com um olhar penetrante que ficou marcado em todos os seus filmes.

Era fato que Garbo sabia atuar. Seu olhar, seus movimentos, todas as suas expressões a faziam uma das melhores atrizes da época, além de uma das mais bem pagas. No entanro, em 1929, com o lançamento de “O Cantor de Jazz” pela Warner Bros e a introdução do áudio nos cinemas fizeram com que muitos atores e atrizes perdessem o glamour que esbanjavam na tela.

Em 1930, Garbo atuaria em “Anna Christie” e o que todos se perguntavam era “como é sua voz?”. Em uma cena memorável, Garbo diz sua primeira fala, e para a surpresa de todos, sua voz era tão impactante quanto sua imagem. A atriz atuou com o seu antigo romance das telas e fora delas John Gilbert, mas sua voz estragou sua carreira, assim como a de tantos outros atores do cinema mudo.

Um dos meus filmes preferidos de Greta, "Grande Hotel" (1932) estreou com o anuncio de “Mais estrelas do que o céu”, na época todos os artistas eram contratados pelo estudio, e a MGM fazia questão de divulgar suas estrelas como uma família. Arbo fazia parte dessa família, e em Grande Hotel atuou simplismente com Joan Crowford, John Barrymore, Lionel Barrymore e Wallace Beery. Em uma das frases mais marcantes do cinema “I want to be Alone”, Garbo passa também uma mensagem para os paparazzis e todos os tablóides que a importunavam, era o começo de sua irritação pela carreira.

Em 1935 atua em "Anna Karenina", baseado no romance de Leon Tolstói. A história se passa na rússia, onde uma nobre belissima se apaixona por um oficial ao visitar sua cunhada em Moscou. Ela tenta o divócia mas não ocnsegue, então foge com o amante para a Itália, no entanto, o romance esfria e acaba com um trágico final.

Garbo faz sátira com sua imagem fria e esteriotipada em 1939 com “Ninotchka”. Neste filme ela interpreta uma agente do governo sovético que vai à França em uma missão. No entanto, acaba se apaixonando por um rapaz estrovertido e pela cidade das luzes. O filme foi divulgado com o slogan “Garbo ri!”, quebrando a imagem séria da atriz.

Abalada pelas criticas de seus ultimos filmes e atordoada pela Segunda Guerra Mundial, Garbo decide finalizar sua carreira como atriz. Compra um apartamento em Nova York e chega a mudar de nome.

Garbo foi uma das atrizes mais influentes do mundo. Inspirou diversas estrelas, tais como Mae West, Bette Davis e Joan Crawford. Seu legado de ótimos filmes, com atuações magnificas ficarão para sempre na história do cinema!

O Sol é para Todos (To Kill a Muckingbird) 1962

2009-04-02T15:34:00.000-07:00

Baseado na obra de Harper Lee, a história se passa em 1932 quando Jean Louise Finch (Mary Badham) se lembra de seus seis anos. Nessa época, seu pai, um advogado de uma pequena cidade no sul dos Estados Unidos decide defender Tom Robinson (Brock Peters), um jovem negro acusado injustamente de estuprar uma mulher branca.

O começo do filme pode ser considerado ingenuo. Por muitos, fraco. Retrata pequenos acontecimentos dos dois filhos do avogado: O medo de um vizinho que dizem ser louco, a amizade com um menino que ia passar o verão na casa da tia e algumas questões sociais, como a ingenuidade da menina em entender o constrangimento das pessoas mais pobres sobre o fato de seu pai ajudá-los.

No entanto, ao longo do filme, a ingenuidade vai se tornando um personagem. Assistimos apenas a pequenas situações do pai tratando do caso do jovem acusado, tudo pelo olhar das crianças. A sensibilidade em tratar um tema tão forte para a época é para mim o ponto forte do filme. Desde o cenario da cidade pacata até o julgamento onde as crianças vão escondidas assistir.

Devemos aplaudir a atuação (que rendeu o oscar) sempre impecavel de Gregory Peck. No entanto, a atuação de Brock Peters não pode ser nem comparada: uma das melhores em anos, que infelizmente a academia deixou de lado. É incrivel como depois de terem visto um filme tão forte sobre o proprio tema do preconteito racial eles ainda não terem feito juz ao ator.

Uma cena em particular que me deixou bastante emocionado é a do final da sentença do jovem: após a sentença do juri decidir que o jovem era culopado, todos os brancos que estavam na parte de baixo da corte saem de cena, os negro, no entanto, que estavam na parte de cima da corte junto com os filhos do advogado, continuam lá, enquanto o advogado arruma sua pasta. Quando ele passa, todos se levantatam. Um pastor negro diz a filha do advogado: " Levante senhorita Jean Louise, seu pai está passando".

Nota: 10,0

Minha Bela Dama (My Fair Lady) - 1964

2009-03-14T07:38:00.000-07:00

Dirigido por George Cukor (famoso por suas mega produções com cenarios grandiosos), My Fair Lady é uma adaptação de Pigmalião, peça de George Bernard Shaw. Henry Higgins (Rex Harrison), um intelectual e professor de fonética, aposta que conseguirá, no período máximo de seis meses, transformar Eliza Doolittle (Audrey Hepburn), uma simples florista de rua que não sabe falar direito, em uma dama. Mas a tarefa se mostra muito mais difícil do que tinha sido imaginada originalmente.

As musicas do filme são memoraveis, desde o começo vemos que será um filme grandioso. O figurino é tão impecável quanto as atuações. O musical na Broadway era estrelado por Julie Andrews que não foi chamada para fazer a adaptação da peça por sua falta de experiencia nas telas. No entanto, no mesmo ano Julie fez Mary Poppins e ganhou o oscar de melhor atriz por sua atuação, enquanto que Audrey Hepburn não foi nem indicada. Audrey foi dublada por uma cantora profissional - o que rendeu certas brigas entre a atriz e o diretor no começo das filmagens. No entanto, sua atuação nao pode ser desmerecida, ela encarna a simples vendedora de flores se transformar em uma dama da sociedade. No entanto, particularmente, o papel era de Julie que tinha uma voz poderosa e podia faze-lo muito melhor. Eu sou muito mais fã da Audrey do que da Julie, mas os produtores desse filme realmente vacilaram.

Nota: 9,0

Luzes da Cidade (City Lights) - 1931

2009-03-06T17:48:00.000-08:00

Charlie Chaplin é sem duvida um dos mais conhecidos diretores de todos os tempos. Suas obras cinematográficas são estudadas desde o ensino fundamental quando o professor de historia nos fala sobre a revolução industrial (Tempos Modernos, 1936), ate ensino medio e a faculdade quando aprendemos sobre a 2º Guerra Mundial (O Grande Ditador, 1940).
Particulamente, Luzes da Cidade é o filme mais inteligente e bem produzido do diretor britânico. O famoso Vagabundo Carlitos se vê apaixonado por uma pobre vendedora de flores cega. Finge ser rico e consegue pagar uma cirurgia de córneas para a moça. A cena mais memorável do filme é o final, quando a vendedora de flores – agora com uma loja de flores – reconhece seu benfeitor na rua. A expressão de Chaplin nessa cena é simples mas inesquecível para todos que assistiram a esse clássico.

Nota: 10,0

Golpe de Mestre (The Sting) 1973

2009-03-05T08:27:00.001-08:00

Algumas pessoas me julgam quando eu falo que Golpe de Mestre esta no meu top 10. Acho que eu fui um dos únicos que enxergaram a sensibilidade de direção do filme. A história de gangster passada em 1936 mostra dois trapaceiros que se juntam para dar um golpe em um chefão mafioso. Os dois protagonistas são Robert Redford e Paul Newman que alem de terem sido dois dos maiores galãs de hollywood também foram dois dos melhores atores. O final do filme, demasiadamente simples quando Redford da uma piscadela de olho para seu amigo nos trás uma duvida. Ele realmente ajudou o Newman ou pregou a maior trapaça de todas? ninguem sabe.
Enfim, o filme tem um roteiro afiado, uma ótima direção de fotografia e cenários geniais retratando a década de 30.

Nota: 10,0

Crepusculo dos Deuses (Sunset Boulevard) 1950

2009-02-23T20:28:00.000-08:00

Filme escrito e dirigido por Billy Wilder, Sunset Boulevard está no top 10 de muitos cinefilos. A pelicula retrata a vida de Norma Desmond (Gloria Swanson) atriz do cinema mudo que agora mora apenas com seu mordomo em uma mansão mal cuidada na Sunset Boulevard. Wilian Holden é um jovem roteirista nem um pouco promissor e falido que está prestes a perder o carro quando é convidado a entrar na casa de Desmond que o confundiu com alguem de uma funeraria. A solitária atriz pede ao roteirista que revise e melhore seu roteiro de Salomé. Ao longo do filme Gillis (Holden) se ve preso naquela casa e acaba se deixando seduzir pela atriz, ou melhor, pelo dinheiro dela. Uma das cenas mais memoraveis é um jogo de cartas com alguns atores do cinema mudo - entre eles Buster Keaton -.

Uma curiosidade sobre o filme, que eu acredito que qualquer cinefilo saiba, é que Gloria Swanson, realmente ex atriz do cinema mudo teve sua carreira acabada apos um certo filme de Erich von Stroheim que interpreta o mordomo e ex diretor de cinema que descobriu Desmond. Este particular filme é passado em uma das cenas.

a atuação de Swanson no filme é concerteza uma das melhores de todos os tempos. Ao descer a escada achando que é salomé e dizer "All right, Mr. De Mille I am ready for my close up" sua face se eternizou.

Nota: 10,0

An Extraordinary Gay Oscar!

2009-02-23T07:00:00.000-08:00

In all the senses the 81° Oscar was gay. Tanto pela alegria quanto ao tocar em um assunto ainda delicado como os direitos civis para os homossexuais.
Os novos produtores do show da Academia deram um completo espetáculo ao inovar na premiação dos atores colocando 5 ganhadores passados do mesmo premio homenageando os indicados nas respectivas categorias. Em todos os momentos pudemos notar as lágrimas sendo segurados pelos talentosíssimos atores que concorriam esse ano. Hugh Jackman, apresentador da noite, fez uma grande homenagem a vários filmes antigos, em especial aos musicais. Alem disso, os produtores mostraram cenas dos filmes de comedia, romance e ação que rolaram em 2008, gêneros ainda pouco reconhecidos pela academia.
O filme “Milk- A voz da igualdade” ao tratar a vida do primeiro gay assumido que ocupou um cargo político - Harvey Milk - trouxe o assunto da homossexualidade ao palco do Teatro Kodac essa noite. O discurso de Sean Penn foi extremamente engajado no assunto ao apelar para o nome do novo presidente dos Estados Unidos Barack Obama e fazer um apelo ao direito de casamento entre homossexuais.
No entanto, o discurso do jovem roteirista Dustin Lance Black do mesmo filme foi a comoção da noite. Ele contou a historia de como foi apoiado por sua mãe quando criança, e sua esperança de poder se assumir e ser feliz como é ao ouvir a historia de Harvey. Além disso, ele mandou um recado a todos os jovens gays que ainda se sentem oprimidos pelo preconceito que perdura na sociedade. (abaixo segue o discurso do roteirista, que eu tenho certeza que marcou tanto a historia das festas do Oscar quanto da luta dos direitos de igualdade dos homossexuais)

“Oh my God. This was, um. This was not an easy film to make. First off, I have to thank Cleve Jones and Anne Kronenberg and all the real-life people who shared their stories with me. And, um, Gus Van Sant, Sean Penn, Emile Hirsch, Josh Brolin, James Franco, and our entire cast, my producers, Dan Jinks and Bruce Cohen, everyone at Groundswell and Focus, for taking on the challenge of telling this life-saving story. When I was 13 years old, my beautiful mother and my father moved me from a conservative Mormon home in San Antonio, Texas to California and I heard the story of Harvey Milk. And it gave me hope. It gave me the hope to live my life, it gave me the hope to one day live my life openly as who I am and that maybe even I could fall in love and one day get married.
(He chokes up, audience begins to applaud.)
I want to thank my mom who has always loved me for who I am, even when there was pressure not to. But most of all, if Harvey had not been taken from us 30 years ago, I think he’d want me to say to all of the gay and lesbian kids out there tonight who have been told that they are less than by their churches or by the government or by their families that you are beautiful, wonderful creatures of value and that no matter what anyone tells you, God does love you and that very soon, I promise you, you will have equal rights, federally, across this great nation of ours. (Wild applause from the audience.) Thank you, thank you, and thank you God for giving us Harvey Milk.”

Gilda - 1946

2009-01-25T10:42:00.000-08:00

Rita Hayworth estrela esse Noir em grande estilo. O filme em sí não tem lá uma grande história, mas as atuações foram memoráveis. Principalmente a de Rita que ficou conhecida por todo o mundo após esse papel.
Um expert em ganhar dinheiro em cassinos consegue um emprego em uma grande casa noturna, se torna gerente e fica bastante proximo de seu chefe e de sua bengala (o que eu achei muito homossexual porque eles se diziam os tres mosqueteiros: o cara, o chefe e a bengala do chefe, rsrsrs) Enfim, o chefe acaba arranjando uma mulher super atraente que acaba sendo a ex namorada de seu fiel empregado. O que eu achei muito legal foi a atração dos dois pelo ódio de tempos atrás e não pelo amor que sentiam. Gilda se ve entre seu antigo namorado super atraente e o velho ricasso dono do cassino. Acaba fazendo umas besteiras como um strip tease onde canta (quer dizer, é dublada) que acabou sendo a cena mais memorável do filme.

Nota: 9,0

Pedro Almodóvar

2009-01-21T13:00:00.002-08:00

Como estou colocando só os meu preferidos nessas primeiras postagens, está aí o melhor diretor da atualidade.
Seus filmes são extremamente provocantes e realistas, mostram a España após a morte do ditador Francisco Franco que utilizava a censura como arma política. Almodóvar explora um mundo underground abordando assuntos como o erostismo homossexual, a prostitução e assasinatos domésticos (Será que eu posso colocar isso?). Às vezes eu penso: "se juntássemos os travestis de Almodóvar e os palhaços deprimidos de Fellini daría um ótimo roteiro, pois essas duas personagens quase que constantes em seus respectivos filmes têm uma profundiade tamanha que assusta."
O primeiro filme de sucesso do español que foi exportado para o mundo foi "Mulheres à beira de um ataque de Nervos" que traz uma atriz de sucesso presa a um amante vagabundo. Almodóvar não exita em colocar situações quase impossíveis para fazer cenas interessantes e engraçadas, como o filho do cara encontrar a amante do pai e acabar beijando a amiga dela que se envolveu com terroristas e agora tem atitudes suicidas (também pudera, a namorada do cara, o cara aliás é o Antonio Bandeira, parece um travesti, mas eu acho que ela é só feia mesmo).
Outro filme que vale lembrar é "Tudo sobre minha mãe", que é o meu prefirido, não só porque o título é referencia a "All About Eve" mas pela ousadia da história: o filho de uma atriz aposentada é atropelado após tentar pegar um autógrafo de sua atriz de teatro preferida. A mãe acaba indo atrás do pai (que nem sabia da existencia do filho) na Argentina. Lá reencontra uma amiga travesti que se prostitui para viver, depois disso conhece uma noviça (Penélope Cruz) que está grávida de um outro tranvesti que tem Aids, que aliás é o pai do garoto que morreu no começo do filme! Sério, quem pensaria em um roteiro desses???
Outro que eu adorei também foi "Má Educação" que retrata um diretor de cinema que recebe uma visita de um antigo amigo do internato em que estudou quando pequeno. Ao longo do filme vemos partes da vida do menino no internato, onde era abusado pelo padre e era apaixonado por esse cara que virou diretor. Esse garoto apareceu com um roteiro no qual retratava a sua vida no internato e quando era um travesti. Esses filmes do Almodóvar são dificeis até de escrever. Mas enfim, no final o cara acaba descobrindo que o travesti morreu e o cara que apareceu com o roteiro era na verdade o irmão do que tinha morrido.
último filme do Almodóvar, também com a Penélope Cruz, "Volver" foi super aclamado pela crítica rendendo diversos premios para o Español. Esse não tem Travesti mas é tão bom quanto os outros. Conta a história de uma mulher que recebe a visita de sua mãe supostamente morta e se envolve com o assasinato do marido realizado por sua filha.
Ao longo dos filmes, mesmo não assistindo em ordem cronologica, mas sabendo as datas os filmes de Almodóvar vão amadurecendo, as história ficando cada vez mais fortes e as personagens cada vez mais complexas. Não vejo a hora de assistir ao próximo filme dele.

Parênteses - João Guimarães Rosa -

2009-01-19T17:38:00.000-08:00

Além de cinema, vou abordar algumas outras artes que aprecio, dentre elas a Literatura.

Ano passado foi todo sobre Vestibular, e ao pensar que no começo do ano eu estava morrendo de preocupação em ter de ler 9 livros pra fazer a bendita prova eu rio. A melhor coisa do ano foi aprender tanto sobre história e literatura. Pois bem, fui ler "Campo Geral" de Guimarães, e claro que chorei (quem não chorou naquele livro tem um coração de pedra), muitos amigos é claro também adoraram o livro, no entanto, eu me pergunto quantos se interessaram em pegar para ler mais alguma coisa de qualquer autor que tenha gostado. Eu axo fabuloso os vestibulares incentivarem os alunos a lerem os livros, no entanto, isso devia começar desde cedo, os alunos deveriam ser encorajados a ler classicos da nossa literatura com 10 anos (eu também acredito que certos filmes também deveriam entrar no programa, mas isso é outra conversa). Enfim, Guimarães conseguiu conquistar a minha cabeça e o meu coração (por mais brega que essa frase possa parecer), a maneira única que esse mineiro tinha em descrever o sertão me emociona com cada conto novo que eu leio, cada novela, cada frase que ele escreveu.

Eu como um futuro Humanista (se Deus permitir vou ajudar muitas crianças na África e nos locais pobres desse Brasilzão) me apaixono ainda mais quando vejo que o artista se envolvia com questoes sociais e Guimarães não foi diferente, ele esteve na Alemanha Nazista e ajudou diversos Judeus a conseguirem passaporte para o Brasil (Foda né?!).

Concluindo: não é atoa que o meu livro preferido seja Grande Sertão: Veredas. As vezes eu me pegava lendo o livro em voz alta e quase derramando lágrimas com certas frases como: "Sempre, no gerais, é à pobreza, à tristeza. Uma tristeza que até alegra" ou "toda saudade é uma espécie de velhice", enfim, o livro é recheado com reflexões ingenuas mas tão profundas que chega doer.

"Um chamado João"
"João era fabulista?fabuloso?fábula?Sertão místico disparandono exílio da linguagem comum?Projetava na gravatinhaa quinta face das coisas,inenarrável narrada?Um estranho chamado Joãopara disfarçar, para farçaro que não ousamos compreender?Tinha pastos, buritis plantadosno apartamento?no peito?Vegetal ele era ou passarinhosob a robusta ossatura com pintade boi risonho?Era um teatroe todos os artistasno mesmo papel,ciranda multívoca?João era tudo?tudo escondido, florindocomo flor é flor, mesmo não semeada?Mapa com acidentesdeslizando para fora, falando?Guardava rios no bolso,cada qual com a cor de suas águas?sem misturar, sem conflitar?E de cada gota redigia nome,curva, fim,e no destinado geralseu fado era saberpara contar sem desnudaro que não deve ser desnudadoe por isso se veste de véus novos?Mágico sem apetrechos,civilmente mágico, apeladore precipites prodígios acudindoa chamado geral?Embaixador do reinoque há por trás dos reinos,dos poderes, dassupostas fórmulasde abracadabra, sésamo?Reino cercadonão de muros, chaves, códigos,mas o reino-reino?Por que João sorriase lhe perguntavamque mistério é esse?E propondo desenhos figuravamenos a resposta queoutra questão ao perguntante?Tinha parte com... (não seio nome) ou ele mesmo eraa parte de genteservindo de ponteentre o sub e o sobreque se arcabuzeiamde antes do princípio,que se entrelaçampara melhor guerra,para maior festa?Ficamos sem saber o que era Joãoe se João existiude se pegar."
Carlos Drummond de Andrade - 22/11/1967 - Versiprosa

Vidas Amargas (East of Eden) 1955

2009-01-19T13:28:00.000-08:00

James Dean!

Nem sei nem o que escrever depois desse nome, realmente fico emocionado em pensar o que mais viria de uma pessoa tão talentosa. Quantos classicos teríamos apenas por sua atuação. Dean morreu muito jovem, em um acidente de carro, e deixou três filmes memoráveis - Juventude Transviada, Assim Caminha a Humanidade e Vidas Amargas -. Dentre 10 pessoas, 9 provavelmente dirão que o melhor filme de Dean foi Juventude Transviada, mas no meu caso, Vidas Amargas tem uma profundidade tão grande que a atuação de Dean transcende a perfeição. James Byron Dean: só tendo o nome do meio em homenagem a um grande autor romântico para explicar tal atuação.

Eu realmente não estou muito afim de falar do filme em sí, porque pra mim só vendo pra entender o que eu estou falando.

Mas essa cena em particular que eu vou postar abaixo resume muito do que eu quero dizer. No roteiro original, quando o pai de Cal rejeita o dinheiro que o filho lhe oferece ,por pensar que é roubado, Dean tinha de sair pela porta, mas não sei qual santo baixou naquele muleque pra ele se emocionar tanto e fazer uma das cenas mais perfeitas de todas quando pula nos braços do pai.

http://br.youtube.com/watch?v=tkSufbaqVUg

Nota: 10,0

A Malvada (All About Eve) 1950

2009-01-19T12:51:00.000-08:00

"Fasten your seatbelts..
it's going to be a bumpy night! "

Dirigido por Joseph L. Mankiewicz esse filme tem tudo. Roteiro afiado, atores excelentes, figurino maravilhoso (desenhado por Edith Head, é claro) e uma fotografia de prender a atenção do mais desinteressado por filmes em PB.
Desde o começo do filme ficamos intrigado pela premiação de Eve Harrington (Anne Baxter) e a cara de bunda de Margo Channing (Bette Davis) que assisti a tudo com um cigarro aceso (aquela mulher era uma verdadeira caipora) . Em um Flashback imenso, a história de Eve é nos revelada, desde o encontro com a sua ídola dos teatros até a sua usurpação. Cenas como a briga de Margo com seu namorado e diretor Bill Simpson e a do discurso de Eve são memoraveis. Mas o final é de arrepiar, a cena dos espelhos em que Phoebe segura o premio ganho por Eve é pra mim um dos melhores finais de todos os tempos.
Enfim, essa superprodução levou 6 premios da academia e é simplismente o meu filme preferido. Difícil superar um conjunto tão perfeito.

Nota: 10,0